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31 août 2013 6 31 /08 /août /2013 22:34
Le compositeur français travaille sur un album très spécial qui sera vendu uniquement sur les projets Internet, un album de collaboration, une tournée mondiale, un concert en Chine sur le thème de l'environnement, plus une ou plusieurs bandes-son de films.

Que savez-vous d'Ibiza?
J'y ait été en vacances il ya quelques années, mais c'était la première fois que j'ai visité l'île pour quelque chose directement lié à la musique électronique.

Qu'y aimez-vous?
Outre la beauté naturelle de l'île, la météo, et c'est un excellent site pour le plaisir. Il est une destination majeure pour la musique électronique en général dans le monde et pas seulement la musique de danse.

Connaissez-vous le célèbre «nuit à Ibiza?
J'ai eu la chance d'être à l'IMS (International Music Summit) et en apprendre davantage sur la scène et la scène de la musique électronique d'aujourd'hui et de ses différents styles. Le DJ a commencé à jouer avec disques ou de CD et progressivement deviennent de vrais musiciens parce qu'ils sont intéressés à la composition musicale et ce que cela signifie. Il ya ce mélange entre le travail en tant que DJ et de production.

Quels sont les projets sur lesquels vous travaillez?
En deux projets. L'un est un album très spécial pour être vendus sur l'Internet et d'autres collaborations avec de nombreux artistes et différents concerts à travers le monde pour l'année à venir.

Avez-vous le nom de ce CD?
Pas encore, j'y travaille encore. Je n'ai pas encore décidé.

Ibiza? Un bon endroit pour être inspiré?
Bien sûr, c'est pourquoi je tiens à m'échapper du studio et d'être sur l'île paisible. Je considère que c'est un endroit qui transmet des vibrations très positives et un lieu idéal pour l'inspiration.

Avez-vous un projet de film ou de bandes originales de films?
J'ai plusieurs projets de bande sonore, nous prévoyons un voyage à Los Angeles pour étudier les différents projets de films dans les deux prochains mois.

Vous êtes considéré comme l'un des pères de la musique électronique. Comment vous sentez-vous maintenant que ce style a tellement grandi et est très populaire aux États-Unis et dans le monde?
Depuis que nous avons commencé dans le monde de la musique électronique, nous avons été considérés comme des fous parce que nous avons créé la musique avec des machines très étranges, mais j'ai toujours vu de la musique électronique comme quelque chose de totalement différent des autres styles musicaux comme le hip-hop, punk ou le rock. Pas un style musical, mais une nouvelle façon de voir et de créer des sons, il y a beaucoup de différents styles de la musique électronique: house, techno ... C'est une nouvelle façon de voir comment créer des sons.

Vous avez toujours rêvé que la musique électronique serait si populaire?
Quelque part, je savais que quelque chose allait se passer avant que ce phénomène général s'est produit. J'ai imaginé que ce serait aussi gros. Avec le succès des albums comme «Oxygène» j'ai vu que les gens étaient prêts pour la musique électronique qui serait quelque chose de grand. La musique dance a aussi eu un très fort succès dans les années 80.

Aimez-vous danser?
Comme tout le monde, j'aime, j'aime écouter de la musique dans les clubs, en particulier parce que la musique est magique et vous fait voyager à travers elle. Aujourd'hui, vous pouvez profiter dans de grands clubs et les concerts, les endroits où vous pouvez sentir la musique avec votre corps d'une manière extraordinaire, non pas à travers de petits casques.

Vous vendrez votre nouveau CD seulement sur Internet. Quel est l'avenir de l'électronique sur le net?
Selon moi, nous avons connu le pire et maintenant nous auront le mieux, parce que l'industrie a beaucoup souffert, avec toutes les différences d'approche et de la structure et maintenant le format s'adapte au nouveau système et au nouveau monde. Il commence à comprendre ce nouveau média. Nous devons accepter que le CD est depassé et il faut réinventer une autre façon d'écouter de la musique avec une qualité que le MP3 n'a pas, c'est comme le 78 tours du numérique, une très mauvaise qualité, mais qui est devenu un standard. Nous sommes à une seule étape d'un son haute définition, qui a déjà commencé avec certains fichiers en format HD qui sera la prochaine grande étape.

La technologie a été très important dans leur musique et des shows spectaculaires, mais quelle est l'importance pour vous de la technologie et de la créativité?
La technologie a toujours gouverné la créativité et non l'inverse. À l'époque d'Elvis Presley, les chansons ont durait trois minutes c'est ce qui pouvait occuper le vinyle 78 tours, et c'était ce qui plaisait aux «juke-box» techniquement. Après le format a été créé le 'singles' pour la radio. Plus tard, nous sommes allés à 'longue durée', avec des gens comme Pink Floyd et moi, nous créons des chansons plus longues 10-12 minutes. Aujourd'hui, avec l'Internet et les nouvelles technologies, nous pouvons penser autrement créer de la musique comme il peut enregistrer à la maison, quelque chose qui était impensable il y a 20 ans. Cela a changé la relation entre les musiciens, l'industrie, les consommateurs et le public.

Grâce aux progrès de la technologie, n'importe qui peut être un DJ ou producteur aujourd'hui?
N'importe qui peut faire de la musique à la maison avec des claviers électroniques. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a pas de "meilleure" musique, mais plus de gens ont la possibilité de créer de la musique de manière professionnelle avec des instruments appropriés. Comme nous le savons, la technologie est un outil, mais le talent de la personne derrière les claviers et les plats est la clé et le plus important.

Vous êtes un ambassadeur pour l'UNESCO et travaillez activement collabore à un projet particulier?
Je me rendrai bientôt en Chine pour donner un concert pour le secteur de l'environnement de l'Unesco et de l'ONU dans les prochains mois. Je garde mon activité en tant qu'ambassadeur et je me suis engagé.

Les grands artistes et groupes reviennent à la scène avec la baisse des ventes de disques. Vous êtes célèbres pour vos spectaculaires et massifs spectacles. Quid des grands concerts?
J'ai toujours compris que la meilleure façon de procéder était d'utiliser des visuels de la musique électronique. Quand j'étais pratiquement le seul qui a fait ça, alors d'autres artistes du rock et la pop ont fait de même. Dans la scène de la musique électronique a également réalisé qu'il était nécessaire de cliquer pour voir une personne derrière un ordinateur portable pendant deux heures n'est pas la chose la plus sexy au monde. Vous avez à faire participer le public de manière visuelle, et vous pouvez écouter de la musique à la maison, dans la rue et partout. Si vous allez à un concert parce que vous vous attendez à trouver quelque chose de différent de l'artiste que vous aimez, et en essayant de générer quelque chose qui a un caractère visuel très particulier.

Que pensez-vous que vous avez apporté au monde de la musique électronique au cours du XXe siècle et ce sera à l'avenir?
C'est mieux que ce soit les autres qui le disent. Pareille à une génération qui a ouvert les portes du rock et de la pop à la musique électronique. Ce fut un privilège d'être né à cette époque, une étape essentielle qui a ouvert les portes à de nouveaux horizons musicaux. Pour les gens qui commencent maintenant c'est plus difficile parce que le défi est différent, il y a déjà eu de grandes choses. Dans le domaine des visuels et des sons, le plus important est ce que vous avez dans votre cœur et votre esprit, ce que vous ressentez. Dans mon cas, je sens la musique que je veux dans ma tête, grâce aux nouvelles technologies, comme j'ai beaucoup de «productions». Je veux développer pour améliorer ce que j'ai fait.

De quoi êtes-vous le plus fier: de vos millions d'albums ou de l'originalité de vos grands concerts?
Aujourd'hui, je me sens plus libre de créer des choses, grâce à la technologie, plus il y a des années où la technologie était difficile à comprendre et à se développer. C'est un rêve de travailler dans un très souple et il me donne la fraîcheur et l'enthousiasme nécessaires pour composer la musique que je fais.

En regardant en arrière froidement ... Quels moments de votre carrière vous trouvez le plus exceptionnel?
Il ya beaucoup, mais soulignent le concert que j'ai donné dans ma ville natale de Lyon, en l'honneur du Pape Jean-Paul II, quand je suis allé en Chine à une époque où la musique occidentale a été interdit, et bien sûr le grand concert à Houston pour le 25e anniversaire de NASA avec libre dans l'espace, ce fut vraiment un voyage spectaculaire.

Pensez-vous que les DJ sont les nouvelles pop-stars ou le fruit d'un concept novateur d'un musicien et artiste de la nouvelle scène musicale?
Il s'agit d'un nouveau concept, car il y a beaucoup de dj qui ne sont pas connus et sont populaires alors qu'ils ne sont même pas visibles dans les médias. C'est une autre façon d'être en contact avec le public par soi-même. Mais si vous voyez ce qui se passe aux États-Unis et l'Europe semble que la musique électronique est presque plus important que le rock, je pense à l'avenir qu'il émergera des artistes extraordinaires de la scène de musique électronique, plutôt que la scène de la musique rock.
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31 juillet 2013 3 31 /07 /juillet /2013 23:49
Vos études ont été sanctionnées par une licence de lettres. Vous auriez pu devenir "un homme de mots". Comment le son est-il arrivé dans votre vie?
En fait, j'ai toujours beaucoup aimé les mots pour la musicalité qu'ils portent en eux et ce n'est pas un hasard si j'ai écrit des chansons et des textes. Pour moi, le son et le sens sont indissociables. mais il y a une autre expression qui comptait beaucop et qui compte toujours pour moi, c'est la peinture et, plus largement, l'approche visuelle. J'ai d'ailleurs beaucoup hésité entre m'exprimer par la peinture ou par la musique. Quand j'étais adolescent (au milieu des années 60, NDLR), on était en pleine époque de l'abstrait, de ce qu'on appelle l'abstraction lyrique. C'est vraiment un mode d'expression qui m'a influencé jusque dans la musique. Je crois que si j'ai fait de la musique électronique c'est à cause de la peinture abstraite des artistes comme Pollock, Hartung ou Soulages. Paradoxalement, pour moi la musique électronique et électro acoustique ont toujours été beaucoup moins abstraites que la musique écrite, la musique de facture "classique". C'était un peu, à mes yeux, une activité de cuisinier. Cuisiner les fréquences, c'est un peu comme ajouter des ingrédients jusqu'à trouver la bonne recette!

Ce qui vous caractérise peut-être le mieux, c'est votre côté chercheur. D'où vient cette curiosité?
Je crois que ça vient de mon grand-père, il était inventeur et chez lui, c'était un peu la caverne d'Ali Baba. Il a inventé la première console de mixage pour la radio avant la guerre. Il a également mis au point le fameux tourne-disque Teppaz. En même temps, il jouait du hautbois, il était musicien. C'est certainement la figure masculine qui m'a le plus influencé dans la famille. Ce qu'il m'a transmis, c'est ce mélange entre un tempérament artistique et une inspiration technologique.

Et le fait d'être le fils d'un compositeur, Maurice Jarre, vous a-t-il influencé?
Mes parents ont divircé quand j'avais cinq ans et j'ai eu une absence de relation avec mon père pratiquement tout au long de ma vie. Je n'ai pas revu mon père avant l'âge de vingt ans donc j'ai vraiment grandi loin de son sillage aussi bien affectif que musical. Donc ça n'a pas eu d'influence directe.

Qu'est-ce qui fait qu'à un moment donné, vous empruntez un chemin solitaire pour devenir un "chercheur de sons"?
Je pense qu'il y a des choses qu'on peut expliquer et d'autres qu'on explique pas. Plus j'avance, moins je m'explique les choses et mes choix et finalement, je les attribue à un destin. Je crois fort que les choses sont dictées au départ.
Je crois que ce rapport que j'ai avec l'innovation et la technologie est presque inconscient. Je ne suis ni obsédé par la nouveauté, ni un technicien. En fait, j'ai un rapport poétique avec la technique. Je serai incapable de fabriquer un synthétiseur ou un ordinateur, ça ne m'intéresse pas vraiment, car c'est uniquement un outil. Mais en même temps, j'ai toujours été fasciné par l'outil dans l'art.
C'est-à-dire que je crois que l'expression artistique dépend des outils et pas l'inverse. Ce n'est pas parce que Vivaldi a fait la musique qu'il a faite qu'on a inventé le violon, c'est parce que le violon a été inventé antérieurement que Vivaldi a fait la musique qu'il a faite. C'est la même chose pour la guitare électrique et le rock. Je crois qu'il y a une véritable poésie de la technologie qui se retrouve dans cette fascination de l'outil, et dans la jubilation qu'on peut trouver à détourner un outil, un instant, pour obtenir un résultat original. Le propre de la peinture, du cinéma, de la musique, c'est de détourner les outils.

Ce qui est intéressant quand on regarde votre parcours des années 70, c'est que vous êtes déjà en route vers votre propre voie artistique et, en même temps, vous collaborez avec des artistes de variétés comme Christophe, Françoise Hardy ou Patrick Juvet.
Il y a toute une période où j'ai fait des travaux pratiques pour trouver qui j'étais. Un peu comme un brouillon de mon avenir musical. L'activité de production dans la variété et avec les chanteurs m'a apporté beaucoup et en même temps m'a fait me poser des questions rétrospectivement. C'est-à-dire que c'est vraiment intéressant de tailler une garde-robe pour quelqu'un en sentant bien les choses sur le plan des mots, des sons et de l'image comme ça a été le cas avec Patrick Juvet. Ça a été la même chose pour Christophe et les deux albums "Les Paradis perdus" et "Les Mots Bleus" qui sont des albums majeurs dans sa discographie. Étienne Roda-Gil disait: "Quand on vise juste on a une responsabilité", c'est-à-dire que les artistes peuvent avoir du mal à exister ensuite avec la garde-robe qu'on leur taille. Je n'ai jamais pensé qu'écrire des textes ou des musiques était un métier. Ça a été une manière pour moi de travailler en même temps sur ce que j'aime, c'est-à-dire les mots, les sons et les images. On a beaucoup travaillé avec Patrick Juvet par raport à son image et, pour Christophe, j'ai mis en scène le premier spectacle qu'il a fait à l'Olympia. Toutes ces expériences ont été essentielles pour moi.

Il y avait dans ces rencontres les ingrédients de votre musique future?
Je pense que l'œuvre d'un artiste est faite de remixage et de recyclage de tout ce qu'il a été. Fellini disait: "On a une seule idée dans sa vie et puis on passe son temos à la recycler, la transformer". La vie d'un artiste c'est un peu comme celle d'un artisan qui fabriquerait des tables, toujours la même, en rêvant de parvenir à en fabriquer une idéale.

Toute l'expérience de la scène et de la musique que vous avez, c'est un peu comme l'écriture d'un scénario géant écrit disque après disque, spectacle après spectacle?
C'est pour moi exactement de cela qu'il s'agit. je suis heureux que vous me le disiez.

En 1976 sort votre album Oxygène. C'est le début d'un succès fatastique puisqu'il se vendra à plus de 12 millions d'exemplaires dans le monde, un record pour un disque français. Mais n'est-ce pas le début d'un malentendu? Vous proposez une œuvre novatrice et vous vous retruvez confronté à une pression énorme due au succès?
C'est drôle ce que vous me dites parce que j'ai eu cette conversation avec mon fils cette semaine. Mon fils est magicien en même temps qu'un très bon musicien et se destine aussi à la carrière de comédien. Il me racontait ses expériences de casting et je lui disais que dans n'importe quelle création, la musique, la peinture, le cinéma, le premier jour où l'on fait quelque chose, il y a une réponse, soit une réponse de ses pairs, soit une réponse du public. Que ce que vous faites devient d'un seul coup tangible, c'est-à-dire que ça cesse d'être un fantasme dans votre tête pour devenir votre réalité quotidienne. Vous pouvez rêver pendant des années de le faure, mais le jour où ça arrive, vous passez du fantasme à la réalité et dinc vous vous identifiez cous-même à votre rêve, et votre rêve devient réalité. C'est ce qui fait que le parcours d'un artiste est unique, il y a des sanctions, des réactions qui vous dirigent dans une direction ou dans une autre. Oxygène, c'était pour moi la maturation de toute une vie antérieure qui passe par les chansons,la littérature. J'ai beaucoup travaillé aux Etats-Unis, en Angleterre. J'ai une histoire dans ma vie avec l'Angleterre, à travers Charlotte (Rampling, NDLR) et les enfants et avec le public anglais aussi. Malgré l'absence de textes dans ma musique, ou peut-être aussi grâce à cela, je pense avoir établi une relation particulière avec le pulic sur les différents continents.

Votre vie a dû être bouleversée par un tel raz de marée?
Réaliser un disque comme Oxygène dans mon coin la nuit, dans l'ignorance totale de ma maison de disques qui, à cette époque, n'imaginait même pas ce que je faisais parce que j'avais une identité artistique différente. Réussir à sortir ce disque qui est refusé par la plupart des laisons de disques et que ça devienne numéro un partout, jusqu'en Angleterre et aux Etats-Unis, la même semaine où Elvis Presley meurt, c'est une chise qui vous change définitivement. D'abord, pour moi, c'était la confirmation de ce que je sentais intimement. C'est-à-dire que ma voie n'était pas uniquement française, même si je reste profondément attaché à mon pays. je me sentais plus international dans ce que j'étais, dans ma manière de vivre, dans ma manière de penser, etc. Il y avait également ma confirmation de ce que j'avais en tête depuis que j'étais goose. C'est-à-dire trouver une alternative à la musique rock que j'aimais et qui était purement anglo-saxonne. car il faut bien se rendre compte que quoiqu'on fasse de supposé "rock" en France, ce ne sera jamais original.

Oxygène devient rapidement un album populaire, mais ça signifie également qu'il est diffusé partout. On le qualifie même de musique d'ascenseur. N'avez-vous pas craint que votre musique vous échappe?
Oxygène est mon premier disque qui rencontre le succès auprès du public et c'est évidemment déterminant dans une carrière… C'était une époque où il était important pour moi de produire des sons pour la rue, pour les lieux publics. J'ai toujours pensé que les lieux publics étaient une autre manière de diffuser la lusique. Je pense objectivement que j'avais quelques années d'avance quand on entend la musique de restaurants, de bars, d'aéroports. C'est de la musique plus branchée, reconnue et j'étais convaincu que ça arriverait un jour. Oxygène et Equinoxe, mon second album, ont énormément contribué à créer un pont entre ma musique et le grand pulic, à faire circuler la musique électronique dans la rue. Si le succès populaire et les concerts ont brouillé mon image auprès de certains, tant pis ou tant mieux. Les écrans de fumée, les malentendus et quiproquos sont bien souvent les meilleures projections.

En 1979, vous inaugurez une forme de concert inédit. Vous jouez devant un million de spectateurs place de la Concorde à Paris.
C'est une époque où je me posais beaucoup de questions sur la manière de présenter la musique électronique sur scène. Je me suis beaucoup inspiré de l'opéra du XVIIIe et XIXe où l'orchestre était un élément d'un spectacle global impliquant beaucoup de techniques visuelles : décors, tapisseries, peintures, figurants - j'ai utlisé les techniques de mon époque - vidéo, électronique, lumière, etc. Je souhaitais également intégrer l'architecture. La musique électronique, c'est l'espace et pour moi l'espace c'est à ciel ouvert ! Le concert de la Concorde était complètement expérimental et n'avait d'ailleurs pas bénéficié de beaucoup de promotion. Quand je suis monté sur scène et que j'ai constaté que les Champs-Elysées étaient noirs de monde, j'ai vu comme une tache d'encre et je n'ai pas pu croire que ces gens étaient venus pour moi. J'ai mis un an à m'en remettre de jouer devant plus d'un million de personnes pour un premier concert en extérieur. Mais avec le recul, je pense que c'est une démarche beaucoup moins mégalo de faire un concert à la Défense où à la Concorde ouvert à tous en étant soi-même un élément d'une scénographie s'étendant sur plusieurs centaines de mètres, que de se produire devant deux mille personnes tout seul avec sa guitare.

En 1981, vous avez été le premier artiste occidental à vous produire en Chine. Vous étiez dans quel état d'esprit?
Ce n'est pas moi qui ai décidé un jour d'aller en Chine, il se trouve que des Anglais de l'ambassade de Grande-Bretagne ont fait passer mes disques en Chne, et pour la première fois de la musique non chinoise a été diffusée à la radio après l'époque maoïste. J'ai donc été invité et j'ai animé une master class aux conservatoires de Pékin et de Shanghaï. J'ai contribué à créer la première classe de musique électronique à Pékin. Le concert s'est décidé rapidement, à l'initiative des autorités chinoises. Jouer là-bas, c'était comme de jouer sur la planète Mars ! Je me suis retrouvé devant un public vierge et en même temps très éduqué artistiquement, un public vraiment extraordinaire. De tels concerts sont très éloignés du show-biz et il faut être capable de porter les projets par d'autres voies.

Je suppose qu'à chaque fois c'est une dépense d'énergie folle?
C'est vrai et d'ailleurs, un de mes regrets, que je vais corriger à partir de maintenant, c'est de ne pas avoir partagé avec le public toute l'aventure que représente l'organisation d'un de ces concerts. Prenons pour exemple un concert comme à Houston au Texas avec une équipe composée de 70% de français qui n'ont jamais quitté la France, qui ne parlent pas anglais et qui vont réaliser quelque chose d'unique aux Etats-Unis, c'est, je crois, intéressant à raconter.

Il y a également des aventures qui n'ont pas abouti? 
Oui, le projet de concert-spectacle au Mexique notamment qui était un projet incroyable. Il était prévu de faire un concert la nuit pendant l'éclipse du soleil. C'est un projet qui ne s'est pas fait parce que les Mexicains ne sont pas des monstres de rigueur et le soleil n'attend pas. J'en garde néanmoins un bon souvenir. Vous connaissez réellement un pays seulement quand vous y travaillez.

En 1983, vous enregistrez un disque, Musique pour supermarché dont un exemplaire unique sera vendu aux enchères. C'est une réaction au gigantisme de votre carrière?
Comme pour pour les concerts, la performance, le geste unique m'intéressent beaucoup car il n'y a pas de deuxième chance, c'est comme la saut du trapéziste. C'était au moment de l'avènement du CD et j'avais réalisé un album en vinyle qui s'appelait donc Musique pour supermarché. C'était une réaction par rapport au CD que j'ai toujours trouvé discutable, techniquement, comme support. J'étais convaincu que le CD allait tuer les disquaires, éloigner émotionnellement les gens de la musique et qui allait nous conduire là où nous en sommes aujourd'hui. Le disque a été vendu à un seul exemplaire, les matrices ont été brûlées à Drouot et la consigne était : "Piratez-moi à telle heure sur une radio qui diffusera le disque !" Donc la seule manière d'écouter cette musique, c'était une seule fois par le biais de la radio. J'ai eu des lettres d'insultes de certains patrons européens de maisons de disques et, rétrospectivement, je pense que cette histoire soulevait exactement, il y a plus de vingt ans, beaucoup de problèmes que l'industrie de la musique rencontre aujourd'hui.

En 2004, vous continuez d'innover. Votre nouvel album, Aero sort en CD et DVD et expérimente pour la première fois le son et l'image en 5.1. Par ailleurs, vous entamez une collaboration avec une nouvelle maison de disques, Warner. 
En ce qui concerne Warner, je suis extrêmement content de travailler avec cette maison. Pour moi c'est une vraie renaissance de travailler en direct avec une multinationale. Il y a un véritale enthousiasme. Avec eux, j'ai pris la décision de réfléchir sur un projet complètement nouveau, sur la manière d'enregistrer, de jouer même la musique et de la partager avec le public. Pour moi ce CD et ce DVD en 5.1, c'est un projet musical qui me tient vraiment à cœur.

C'est peut-être le projet où vous retrouvez totalement ce multi-expressionnisme que vous prônez depuis vingt-cinq ans ?
Exactement et c'est aussi vrai par rapport au projet de concert en Chine qui doit marquer, en octobre, l'inauguration de l'Année de la France en Chine. Quelques semaines après la sortie du CD et du DVD, aura lieu un concert qui est très différent de ce que j'ai pu faire jusqu'à maintenant et qui, sur le plan personnel, est le retour à des origines qui me plaisent, avec pour la première fois une diffusion du son en 5.1. En même temps, c'est la première fois que la Chine accepte un projet complètement populaire qui va être vraiment à l'échelle de Pékin avec cinq scènes dont une scène principale devant la Cité Interdire, et sur la place Tien An Men avec des écrans géants haute définition. Donc, c'est un projet qui va toucher les gens de la rue et, de plus, retransmis en direct en France et dans plusieurs pays européens. J'ai l'envie de dire en sous-titre que c'est un peu "l'Aero expérience".

Ce nouvel album est une première dans son genre?
C'est le premier album construit, composé, produit et enregistré en son Surround 5.1. ll y a en effet aujourd'hui sur le marché beaucoup de DVD musicaux qui sont principalement en stéréo avec une part de production en 5.1 vous donnant la sensation d'être dans la salle. Aero est composé de nouveaux et d'anciens titres. Pour les anciens, je devais respecter la version originale en rejouant entièrement le morceau, mais en considérant que j'étais en 3D et non plus en stéréo.

Comment définissez-vous l'expérience sonore de Aero?
Écouter Aero est une expérience complètement nouvelle. C'est comme quitter le monde sans perspective de la stéréo pour découvrir la 3D, et partir à la conquête de l'espace. C'est comme écouter pour la première fois de la musique avec un casque, excepté qu'on se trouve dans un espace dégagé et que le son vous vient de cinq directions différentes. Je pense que ça va complètement modifier notre façon d'écouter et de composer de la musique.

Pourquoi cela n'a-t-il jamais été tenté auparavant ?
Je pense que cela n'a jamais été tenté parce que nous n'étions pas encore prêts technologiquement. J'ai toujours pensé et toujours rêvé qu'un jour je pourrai partager ma musique de cette façon-là. C'est la raison pour laquelle j'ai fait de la musique électronique plutôt que le rock'n'roll ou de la musique classique. La technologie a toujours éte une réponse. Maintenant, on oublie trop souvent que le DVD n'est pas seulement un support haute définition. Pour l'image, mais aussi pour le son. Et cette technologie nous permet aujourd'hui de le faire.

Quel type d'installation sonore est nécessaire pour écouter Aero?
Ce nouvel album va contenir dans le même boitier deux supports : un DVD en son surround 5.1 et un CD en Superstereo. Il était vraiment essentiel, quand j'ai commencé à enregistrer, que vous puissiez l'écouter sur n'importe quel système audio. C'est déjà stupéfiant lorsque ous écoutez Aero sur un système stérép classique. C'est vraiment de cette façon que je voulais concevoir Aero.

Y aura-t-il un contenu visuel dans le DVD?
Le contenu visuel du DVD a été un dilemme pour moi car j'ai toujours considéré Aero comme un projet audio et non pas comme un projet audiovisuel avec quinze vidéos différentes illustrant les quinze morceaux. J'ai vraiment essayé de trouver quelque chose qui pourrait être personnel, universel, ne contenant aucune narration, et laissant l'auditeur donner libre cours à son imagination.

Comment avez-vous résolu ce dilemme?
J'ai eu l'idée de filmer les yeux de l'actrice française Anne Parillaud en plan très serré et en haute définition, et de lui faire écouter une seule fois l'album en 5.1. Je lui ai demandé de réagir à la musique et de transposer toutes les émotions provoquées par la musique au travers de ses yeux. À mon avis, ce qui est très intéressant c'est qu'en tant qu'auditeur vous pouvez partager la musique avec quelqu'un d'autre, mais ça peut être également votre réflexion dans un miroir, ou encore une sorte de porte visuelle vers la musique. Je pense que cela ajoute quelque chose de très particulier à ce projet.

Prévoyez-vous de jouer cet album en concert avec un son Surround 5.1?
J'ai prévu de jouer cet album live en son Surround 5.1 le 10 octobre 2004 pour marquer l'ouverture de l'Année de la France en Chine, dans la Cité Interrdite et sur la Place Tien An Men. Je ferai en 2005 une tournée européenne puis mondiale. Cela va être le plus grand home cinéma jamais imaginé!

Le son Surround 5.1 est-il l'avenir de la musique ?
Le son Surround 5.1 est vraiment une révolution sonore, ça nous ramène à l'essence même de la musique : émotions et sentiments.
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30 juin 2013 7 30 /06 /juin /2013 23:59

Voici la liste des usiciens dont Jean Ichel Jarre suit l'actualité sur Twitter, du plus ancien au plus récent:

Vitalic (Musicien français)
Moby (Musicien américain)
Joachim Garraud (DJ français, collaborateur de Jean Michel sur de nombreux projets depuis 1999)
Massive Attack (Groue de Bristol, Angleterre)
David Lynch (cinéaste et musicien américain)
Kavinsky (musicien français)
Felix Cartal
Chemical Brothers (groupe anglais)
The Presets
Lou Reed
Black Strobe
Tiësto
Rubin Steiner
Soulwax
Chromeo
Felix Da Housecat
Mickey Avalon
Sigur Rós
Zombie Nation
Jackson & his computerband
Yan Céh
Zack de la Rocha
David Guetta
Boys Noize
DJ Vadim
M.I.A
Lady Gaga
Koudlam
Depeche Mode
Will.i.a.m
Mr Oizo (Quentin Dupieux)
Phoenix
Wyclef Jean
Snoop Dogg
Atrak
Calvin Harris
Tiga
para One
LCD Soundsystem
Louis Bridinski
Diplo
DJ Joakim Bouaziz
Erol Alkan
Chilly Gonzales
DJEDJOTRONIC
Modeselektor
Mark Ronson
Yuksek
Kanye West
Peaches
Laurent Garnier
Hot Chip
deadmau5
Sir Bob Cornelius Rifo
Midnight Juggernauts
Uffie
laude Von Stroke
Röyksopp
Breakbot
Trent Reznor (Nine Inch Nails)
Etienne de Crécy
Little Boots
Don Rimini
Alex Gopher
Simian Mobile Disco
Digitalism
Boy 8-bit
Nile Rodgers
Brian Eno
Benny Benassi
Beastie Boys
2manyDJs
Yoko Ono
Björk
La Roux
Miike Snow
Metronomy
The Prodigy
Fuck Buttons
Jokers of the scene
N.E.R.D.
Hearts Revolution
Klaxons
Raiohead / Thom Yorke
Danger
Florent Mothe
Sébastien Tellier
M83
Zomby
Vince Clarke
Crystal castles
Nicolas Jaar
New Order
Rone
Principles of Geometry
Fransesco Tristano
Fatboy Slim
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31 mai 2013 5 31 /05 /mai /2013 12:57
image-copie-4
Jean Michel Jarre a toujours été de longue date en première ligne pour défendre les droits d'auteur dans la musique enregistrée, et par-delà, la juste reconnaissance de tous les artistes à vivre des fruits de leur travail.
Voici quelques jalons dans cette quête d'un meilleur équilibre entre créateurs, producteurs et consommateurs à travers quelques dates-clés.

*****
1997
En 1997, c'est le début de la prolifération des fichiers MP3 sur les sitesinternet. Mais il n'est alors pas encore question de partage. InterDeposit a confié à l'APP (Agence pour la proteçtion des droits) Paris la mission de constater les atteintes aux droits de propriété intellectuelle.

Dans un communiqué, Francis Dreyfus Music et Jean-Michel Jarre, co-éditeurs des oeuvres composées par J-M. Jarre, demandent à l'APP de procéder aux constats de la reproduction et de la diffusion de tout ou partie de leurs oeuvres sur Internet.


1998
De 1998 à 2000, Jean Michel devient porte parole de l'IFPI. L'International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) est un organisme international chargé de faire respecter, dans le monde entier, les droits d'auteur de l'industrie du disque (droits voisins). Il attribue aussi des distinctions pour les plus gros vendeurs de disques.


2000
Communiqué de presse de l'IFPI, le 2 mai 2000
"En tant que champion pour les artistes et l'industrie de la musique, Jarre an dernier a rallié des centaines de musiciens les plus connus de l'Europe dans une pétition au Parlement européen sur la proposition de directive du droit d'auteur UE. Il a été rejoint par The Corrs à des réunions avec des députés européens au siège du Parlement à Strasbourg. L'intervention des artistes aidé amendements sécuritaires susceptibles de renforcer la protection des artistes contre le piratage dans l'environnement numérique.

Jean Michel Jarre a déclaré: «Je suis très heureux d'avoir été un porte-parole des préoccupations des artistes et des musiciens en Europe au cours des deux dernières années, ceci est un moment très important pour les artistes, qui ont besoin de connaître leur créativité seront protégés et récompensés. à l'ère de l'Internet. Je suis ravi de savoir que mon travail sera pris en charge par un tel groupe impressionnant de musiciens comme The Corrs. Ayant travaillé avec eux, à la fois musicalement et dans notre pétition au Parlement européen, je sais qu'ils vont être d'excellents ambassadeurs pour leurs collègues artistes ".


Jay Berman, président-directeur général de l'IFPI a dit: «Jean Michel Jarre a utilisé son statut comme l'un des musiciens les plus performantes du monde pour défendre les droits de tous ceux qui voudraient suivre ses traces de l'industrie musicale de l'Europe a une dette énorme pour lui.. "


2002
10 juillet 2002, Jean Michel Jarre, a rejoint les chefs de l'industrie du disque aujourd'hui à Bruxelles pour exhorter les sensibiliser davantage le public des dommages causés par la vigueur de l'idéologie "Music gratuite". Ils parlaient comme des artistes et des leaders de l'industrie de la musique de toute l'Europe se sont réunis à Bruxelles pour le 4ème IFPI Platinum Europe Awards célébrant la réussite des artistes qui ont vendu un million d'albums ou plus en Europe.

Jarre sera ce soir l'hôte de la cérémonie, dans laquelle le vice-président de la Commission européenne Neil Kinnock présentera des prix spéciaux à l'italienne star de l'opéra Luciano Pavarotti, ainsi que le musicien irlandais et militant Bob Geldof. (…)

Jarre a déclaré: «Je suis un grand croyant dans la valeur de la musique et le rôle essentiel qu'elle doit jouer dans la culture européenne Le talent et la créativité de nos artistes est célébrée partout dans le monde, mais ce succès ne doit pas être pris pour acquis... Si la musique est de continuer à soutenir les moyens de subsistance des artistes, elle ne peut être prise sans l'autorisation des artistes ". Il a ajouté: «Les gouvernements peuvent aider à soutenir la musique européenne par la promotion de la sensibilisation du public que lorsque les gens prennent musique qui ne leur appartient pas, ils sapent l'avenir de ces mêmes artistes dont le travail que vous appréciez L'UE pourrait également montrer son soutien à l'industrie du disque. en abaissant le taux de TVA sur les CD. musique devrait être traité de la même manière que les autres biens culturels qui bénéficient de taux de TVA ".


2003
IFPI- Discours de Jean-Michel Jarre au nom de la Coalition TVA, à Bruxelles, le 7 octobre 2003

"Je voudrais remercier la Commission économique et monétaire de m'offrir une opportunité de parler d'un sujet proche à mon cœur - la musique et son rôle vital pour la culture européenne.

Aujourd'hui je m'adresse à vous au nom de la coalition TVA qui représente diverses organisations de tout le secteur musical : des auteurs, compositeurs, éditeurs de musique, artiste-interprètes, aux managers d'artistes, aux maisons de disque indépendantes et aux majors, aux détaillants du disque et aux sociétés collectives. Mais je suis par-dessus tout ici en tant qu'artiste car je suis convaincu de la valeur de la musique.

Ici au Parlement européen, il semble que l'on dise une évidence en affirmant que la musique est une composante essentielle de la vie culturelle en Europe. Cependant, cette simple constatation doit encore être réaffirmée car la politique fiscale de l'Union européenne ne reflète en rien l'importance culturelle de la musique.

En Europe, apprécier la musique est fortement ancré dans nos racines. Les artistes européens, dont certains m'ont rejoint à une conférence de presse ce matin, produisent une fascinante variété de musique, du classique à la techno, du folk au hard rock. En bref, la musique est un domaine dans lequel l'Europe excelle.

Et pourtant, dans l'Union européenne d'aujourd'hui, les taux de TVA appliqués aux enregistrements sonores varient de 15 % au Luxembourg à 25 % au Danemark et en Suède. D'un autre côté, des produits culturels comme les livres, les magazines et les journaux, ainsi que les tickets de théâtre, de cinéma et de concerts, bénéficient, eux, d'un taux réduit de TVA à partir de 5 %.

Et donc, je vous demande pourquoi un magazine pornographique devrait bénéficier d'un taux de TVA réduit quand l'enregistrement d'une symphonie de Mozart n'en bénéficierait pas ?

Cette situation n'a aucun sens. L'Union européenne devrait saisir l'opportunité de mettre fin à cette discrimination culturelle contre la musique, en incluant les enregistrements sonores sur la liste révisée des produits éligibles à une réduction de la TVA. La différence de traitement des enregistrements sonores en comparaison d'autres produits culturels ne trouve aucune justification.

Je ne suis pas le seul à penser cela. Plus de 1300 artistes, compositeurs et auteurs de chansons de toute l'Europe ont signé des pétitions appelant à une réduction de la TVA sur les enregistrements sonores.

De nombreux artistes majeurs de la pop-rock ont signé, y compris Elton John, Patrick Bruel, Carla Bruni, Eros Ramazotti et Julio Iglesias, pour n'en citer que quelques-uns. Les artistes du classique qui ont signé les pétitions comprennent Cecilia Bartoli, Andrea Bocelli, Pierre Boulez et Anne-Sophie Mutter."



2009
Jean Michel Jarre rencontre Rachida Dati, le 25 novembre 2009 à Strasbourg, en tan que porte parole de la fédération nationale de l'industrie du disque. Il est venu en discuter avec elle de la protection des droits d'auteur au niveau européen.


2011
En 2011, Jean Michel Jarre émet des réserves sur le volet répression de la loi française Hadopi, et réclame des taxes plus importantes sur les fournisseurs d'accés.

2013
En 2013, Jean Michel Jarre est recommandé à l'unanimité pour la présidence du CISAC. Du 4 au 5 juin 2013, le CISAC se réunit à Washington pour le World Creator Summit, avec 140 spécialistes du droit d'auteur. Il y donnera la conférence suivante :
"Les créateurs prennent peu à peu le devant de la scène dans les débats sur le copyright. La promotion d'une cause qu'ils croient, les créateurs se lèvent pour leurs droits et présenter un front uni sur la nécessité de protéger leurs créations. Dans son Keynote, le pionnier de la musique électronique Jean-Michel Jarre donnera un aperçu de l'importance pour les créateurs de promouvoir les droits des auteurs, le respect de leurs œuvres, une rémunération équitable et la liberté de créer."


Sources :
http://translate.google.fr/translate?u= ... =&ie=UTF-8
http://www.iddn.org/jarre/index.htm
http://translate.google.fr/translate?u= ... =&ie=UTF-8
http://translate.google.fr/translate?u= ... =&ie=UTF-8
http://www.purepeople.com/media/rachida ... ec_m341515
http://www.lepoint.fr/technologie/jean- ... 413_58.php
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30 avril 2013 2 30 /04 /avril /2013 03:31

 

Frederick Rousseau

Né le 9 avril 1958, Frederick Rousseau a collaboré avec deux des plus grands noms de la musique électronique, d’abord Jean-Michel Jarre au début des années 80, ensuite avecVangeli dont il est devenu au fil du temps le directeur musical. Il est aujourd’hui sollicité à la fois pour le cinéma, la télévision et s’est fait un nom internationalement dans le monde de la musique. Sa formation au piano classique ne l’a pas empêché d’essayer de nombreux autres instruments : batterie, basse, guitare, percussions.
Et pourtant, le destin de Frederick aurait pu être tout autre s’il avait poursuivi son engagement dans l’armée, pour le compte du CEA (Commissariat à l’énergie atomique) où il travaillait sur des têtes de missiles nucléaires.

 

En 1980, il devient associé avec Francis Mandin, ex-membre de Clearlight, pour développer le magasin Music Land à Paris, et succède ainsi à Joël Fagerman et Francis Rimbert, qui géraient le premier magasin de ce genre, Phonorgan. Le magasin, qui a été créé en septembre 1979, a une section synthétiseur très développé (Minimoog, Elka, Clavinet, Korg, Sequencial Circuits). Le magasin est le premier centre européen de musique électronique, et il est parrainé par Jean Michel Jarre. Music Land produit même quelques disques de musique planante (groupe B&M, série Dictotyledon) auquel participera en pointillé Frederick Rousseau. 

Vangelis vient s’approvisionner à Music Land en synthétiseurs pour les sessions parisiennes de l’album See you later (dont le morceau Memories of green resservira sur Blade Runner). C’est la première fois que les deux hommes se croisent.               

 

 

             


> Voyage avec Jarre et premiers contacts avec Vangelis 

Frederick Rousseau

En 1981, le jeune Frederick (23 ans) développe le premier séquenceur polyphonique de marque MDB, et son chemin croise la route de Jean Michel Jarre, qui est impressionné par les possibilités de l’instrument. C’est donc aux côtés du lyonnais que Frederick s’embarque pour la tournée de Jarre en Chine en 1981, pour laquelle il enregistre pendant plusieurs mois toutes les séquences des trois premiers albums (dont Les chants magnétiques, premier album auquel il a participé). Rentré à Paris, il participe à l’enregistrement du double album Concerts en Chine. Puis, à la fin de l’année, il croise Vangelis dans le studio Davout qui enregistre avec Jon Anderson son album sous le nom Jon and VangelisFriends of Mister Cairo. C’est aussi à cette époque qu’il rencontre le pianiste autodidacte Jean-Philippe Rykiel(né en 1961), qui deviendra un collaborateur de longue date. Vangelis appelle Rousseau pour l’enregistrement de sa bande-son Blade Runner en 1982 (qui ne sera publié sous forme de CD qu’en 1994). Il commence par tenir le rôle de veilleur technologique (il surveille tous les synthés qui sortent sur le marché), et de librairie des sons analogiques et digitaux.En 1984, Frederick participe à l‘aventure Musique pour supermarché puis Zoolook, qui s’avèrent particulièrement exténuante comme il le dit lui-même :  

 

« Il m’a rendu fou (…) Quand je mangeais la moquette tellement j’étais épuisé, Jean-Michel était debout en train de me dire : Attend, il faudrait encore faire ça. »

Il déclare à propos de Zoolook, dont il a assuré les samples des musiciens américains (Marcus MillerYogi Horton, Laurie Anderson, Adrian Belew) et donné de nombreuses idées :

 

« J’ai fourni un travail impressionnant pour Zoolook. Je savais que le son de Jarre serait différent avec cet album, parce que Zoolook est différent en lui-même. C’est l’album le plus important et le plus technique que j’ai réalisé avec lui ».

Au bout de quatre ans et demi de travail en commun, Frederick quitte le studio de Croissy et la Jarre Team. Les deux personnalités ne sont plus rentrées en contact depuis quelques années maintenant.

 


> Studio mega à Paris

Frederick Rousseau au studio Mega

En 1987, il fonde le studio Mega, rue du Maréchal Maunoury à Paris avec l’ingénieur du son Thierry Rogen, où défile la crème de la variété française (Mylène Farmer avant qu’elle ne parte enregistrer aux Etats-Unis avec Rogen, Indochine, Jean-Louis Murat, Kassav, etc.). Pendant cette période (1987-1988), Vangelis quitte ses studios historiques de Nemo à Londres (il en avait plusieurs autres un peu partout dans le monde, depuis 1975) et s’équipe massivement en numérique, ce qu’il n’avait pas prévu quelques années plus tôt. Frederick  déclare rétrospectivement :  

 

« Le son change toujours avec la technologie. Pour moi, ce n’est pas que Vangelis qui a changé de son. Le son de Jarre a évolué. Le son de Klaus Schulze aussi a évolué. »

 

En 1990, Jarre s’offre à nouveau les services de Frederick pour le défi homérique de La Défense / une ville en concert, où il conçoit de nouvelles introductions pour les morceaux, et est affecté de nouveau aux séquences.
Il compose de 1990 à 1992 des bibliothèques de sons de la série dite « Illustrator ».

 

  


> Aux côtés de Vangelis

En 1991, c’est le vrai tournant de sa carrière. Vangelis utilise le studio Mega pendant six mois pour enregistrer son album The City, qu’il a composé dans une chambre d’hôtel. Il est impressionné par la capacité de Vangelis de composer en live ses morceaux, grâce à de nombreuses pédales et une utilisation intuitive des synthétiseurs. En binôme avec Philippe Colonna, Rousseau apparait sur les crédits de l’album, ainsi que sur tous les albums suivants du grec taciturne.Rousseau participe également au projet Eurêka, évènement européen porté par le ministre hollandais des affaires économiques, sur le thème des transports et de l’industrie, et qui aboutit à un concert sur le port de Rotterdam devant des centaines de milliers de personnes (275.000 peut-être ?). Ce show d’une heure, entouré de nombreux chanteurs (dont l’inévitable Jon Anderson), sur lequel pèse un lourd soupçon de play-back utilise un chœur dirigé par Guy Protheroe. Eurêka voit l’utilisation de lasers et d’images projetées pour célébrer l’entente scientifique des européens. Une nouvelle version de l’Hymne de Vangelis est étrennée.

 

 


> Réalisations en solo

En 1994, il publie son album MÔ, un album qui met en valeur des chanteuses japonaises. C’est l’époque de sa vie où il signe sur le label new-age français Origins. Cette musique s’inscrit dans la mouvance ethno-lounge. Rousseau déclare à ce sujet vouloir faire de la musique qu’il a plaisir à écouter chez lui, dans un canapé, les yeux fermés. Les voix ethniques sont la composante essentielle de son travail, qui est moins symphonique que celle de son maître grec.
En 1995, il réalise Spirit in the Woods, album électronique consacré aux arbres, qui emprunte des rythmes africains. Puis vient Abyss (1996), expérience qu’il qualifie de non-musique, puisqu’elle correspond à un projet de musicothérapie. En 1997, il réalise Woods, avec des rythmes tribaux et des voix d’habitants de la forêt. Pour ces disques dépareillés, la méthode de composition ne varie guère : 

 

« Je suis comme un peintre avec ma palette de sons, stockés sur CD-ROM ou sur mes synthés. (…) Quand je compose de la musique, j’aime le faire vite, et si possible dans l’ordre des morceaux qui figureront sur mon album. C’est ce que j’ai fais pour MÔ et Woods. »

 

En 1997, Vangelis se joint à lui pour composer la musique de la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques d’Athènes, dans le stade antique de Panathanaikos, devant 75.000 spectateurs. Ce spectacle, qui est mondo-diffusé, fait le lien entre sport antique et ère moderne du sport.
Rousseau compose de son côté les bandes-son de 40 films ethnographiques. Il sort sa première collection d’album, les 5 volumes de terres de légendes, entre 1999 et 2000.

 

À propos de la mode des synthétiseurs analogiques, Rousseau déclare en 1999 :

« Aujourd’hui tout le monde est vintage. Jarre est obligé d’utiliser des anciens synthétiseurs pour créer un album marketing [Oxygène 7-13]. J’aime les vieilles machines mais j’aime aussi les nouvelles. J’utilise chaque instrument pour ses qualités intrinsèques. »

En 1993, Vangelis avait commencé à mettre sur pied son opéra cosmique, Mythodea, qui lui a été commandé par la NASA. Le projet verra le jour en 2001, pour le lancement de la mission Mars odyssey. C’est Frederick qui est chargé d’être la courroie de transmission entre les divas Jessye Norman,Kathleen Battle, l’Orchestre du London Metropolitan et bien sûr, les synthétiseurs de Vangelis.

 


> Des commandes diverses

Tears de Frederick Rousseau

En 2002, Rousseau sort un nouvel album solo, Travels. Un an plus tard, il est sollicité par Nature et découvertes pour sortir un album Recall. Certains de ses succès des années 90 apparaissent également sur diverses compilations lounge. On peut citer l’influent Buddha Bar : volumes 3, 4 et 5 (DanyaLa fille de Pékin, Princess W. Chena), Buddha MudraMarrakesh Express (Accross [the Desert]), etc. Il participe aussi en collaboration avec Fernand Deroussen à la série de disque relaxants Oxygène series, qui, hors de son titre, n’a rien à voir avec l'album de Jean Michel Jarre.
Retour au cinéma en 2004, il travaille sur la bande-son d’Alexandre, d’Oliver Stone, un travail de titan qui dure un an et qui lui vaut le titre de directeur musical de Vangelis.Le premier album de Frederick, Tears, est paru chez Milan-universal en 2005. Il s’agit de son album Ethno-électro le plus accessible.

Travels de Frederick Rousseau

L’anée 2006 est le moment où il procède au remastering de l’intégrale du catalogue de Vangelis pour EMI music. Il participe dans le même temps à la compilation World.com.En 2007, il supervise la bande originale du film Jacquou le Croquant, de Laurent Boutonnat. Puis, en décembre de cette année-là, il travaille pendant trois mois au nettoyage des bandes de Blade Runner sur une table de mixage hyper-moderne en vue de la réédition en trois CD du vingt-cinquième anniversaire de Blade Runner. Fredrick Rousseau précise vouloir consacrer de plus en plus de temps à la musique de film, exercie plus varié et moins « commercial » pour lui, orientation qui rejoint celle de Vangelis.

> Ses coups de coeur personnels

 

En 2008, Rousseau a collaboré avec les chercheurs de l’IRCAM sur Super Phase Vocoder autour de la conception du soft Audiosculpt, qui permet de modifier tous les paramètres d’un son à partir d’une représentation graphique de celui-ci. Frederick Rousseau confesse écouter les radios (FIP et Nova) [alors que le son de la radio écrase la perception de la richesse de la musique, NDLR], et aime particulièrement les albums de Deep Forest, Bohême et Comparsa et le projet Era de son ami compositeur Eric Levi :«La musique d’Era associe pop et new-age avec des chœurs, de la batterie et des sons de guitares électriques : c’est un excellent concept.» Il aime aussi fabriquer des images de synthèses (en témoigne l’esthétique hi-tech de son site web). 


 

 > Sa conclusion sur Jarre et Vangelis

 

 

Ce qui m’amuse, c’est que je me souviens de cette collection de  Synthétiseur, les plus grands thèmes, volumes 1 et 2, recréés par Ed Starink. J’ai réalisé qu’à chaque fois que quelqu’un cherchait à imiter Jarre et Vangelis, il n’y arrivait pas. C’est toujours pire. Je n’ai jamais trouvé des versions de jarre ou de Vangelis meilleures que l’original. Seulement deux reprises de State of Independance de  Jon and Vangelis, une chantée par Donna Summer faite par Quincy Jones avec le All Star Choir (Christopher Cross, Michael Jackson, Lionel Ritchie, Stevie Wonder et consorts) et une version rock’n’roll de cette même chanson par Chrissie Hynde, excellente.

« Je suis quelqu’un de chanceux », résume-t-il, « j’ai vu l’émergence du monde du synthé. À travers Jarre, à travers Vangelis, à travers divers artistes. Je mesure cette chance. Travailler avec eux est un poste d’observation privilégié pour voir différentes approches du business, des concerts et de la musique. Je confirme qu’ils sont tous les deux uniques en leur genre.

 


> Discographie

Disques solos :  
  • Illustrator series (1990-1992)
  • Mô (1994)
  • Spirit in the Woods (1995)
  • Abyss (1996)
  • Woods (1997)
  • Terres de Légendes series (1999-2000)
  • Travels (2002)
  • Recall (2003)
  • Tears (2005)

 

Avec Vangelis :

  • Blade Runner (film de Ridley Scott, 1983)
  • Friends of Mr Cairo (1984)
  • Themes (1990)
  • Oceanic (1998)
  • La Peste (film de Luis Puenzo, 1991)
  • Rotterdam concert (1992)
  • 1492 : Christophe Colomb (bande originale, 1992)
  • Opening Show IAFF (1997)
  • Mythodea (2001)
  • Alexandre (film d’Oliver Stone, 2004)
  • Blade Runner (25ème anniversaire, 3 CD, 2008)
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31 mars 2013 7 31 /03 /mars /2013 16:27

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Ce mois-ci aerozone-mag, vous propose la traduction française de l'interview de Resident Advisor. Elle comporte pas mal d'infos sur la compilation Infiné by JMJ, l'académie de musique électronique que Jarre compte créer à Londres, ainsi que les nouveaux albums à venir.


Aaron Coultate de Resident Advisor parle à l'artiste français emblématique de synthés vintage, de techno vaporisé et la peur de l'avenir de la société. 

Jean Michel Jarre est bavard sur la musique qu'il a écouté dernièrement: Actress, Fuck Buttons, Zomby ... Ce n'est pas la playlist ordinaire d'un homme de 64 ans, mais Jarre n'a jamais vraiment fait dans la demi-mesure. Sa présence a plané sur la musique électronique depuis près de quatre décennies. Le Français a étudié sous la direction du géniteur de la musique concrète, Pierre Schaeffer, l'un des pionniers de la musique électronique-et sorti son album fondateur Oxygène en 1976, ce qui s'est avéré être le catalyseur d'une période prolongée de succès commercial et artistique tout au long des années 80 et 90. Sa carrière a été définie non seulement par ses réalisations elles-mêmes, mais aussi l'ampleur d'entre elles: à la Fête Nationale en 1979, il a joué devant un public d'un million à Paris, tandis que 100 autres millions à l'écoutait à la télévision. Près de deux décennies plus tard à Moscou il a joué devant une foule de 3,5 millions d'euros. Il a également vendu près de 80 millions d'albums (Oxygene s'est vendu à lui seul à plus de 18 millions d'exemplaires).

Jarre dépasse maintenant l'âge de la retraite française de quatre ans, mais il ne montre aucun signe de ralentissement. Il parle avec enthousiasme de deux nouveaux albums qu'il a en préparation. Son projet le plus récent, InFiné par JMJ , le vit fouiller dans le catalogue du label français et choisir ses 12 titres préférés pour une compilation. Il s'agit d'une affaire discrète, dans les normes de Jarre au moins. Dans la conversation, il est clairement enthousiasmé par le projet, discute ardemment des mérites de chacun de ses choix et explique ses racines communes avec l'ancien patron du label Agoria à Lyon. Nous avons appelé Jarre dans son studio pour discuter des origines de la compilation, ses intérêts musicaux actuels et ses ambitieux plans pour une académie de musique électronique dans l'Est de Londres.

Pouvez-vous me dire comment est née la compilation InFiné? 
C'est un concept qui a commencé dans ma ville natale. Comme moi, InFiné a ses racines à Lyon, et beaucoup d'artistes du label sont également de cette partie de la France. J'ai collaboré avec certains des artistes InFiné au festival Nuits Sonores à Lyon l'année dernière, et nous avons eu une soirée spéciale où certains d'entre eux revisité mon travail sur scène. Lorsque InFiné a décidé de célébrer leur dixième anniversaire avec une compilation, ils m'ont demandé si je voulais bien regarder dans leur catalogue et faire des sélections pour une compilation.

Comment avez-vous procédé pour la compiler? 
J'ai écouté beaucoup de morceaux différents, et ait essayé de construire une sorte de voyage, avec des chansons et des artistes qui s'intègrent bien ensemble. Comme la musique sur InFiné est assez varié-il ya des artistes de tous différents univers musical, il était important d'avoir une idée de la direction sur la compilation. Une sélection de ce genre est toujours subjective, [la sélection finale] ne se résume pas à quelle piste est meilleure que l'autre, c'est juste plus le reflet de mes propres goûts.

Dans quel sens ce projet s'est-il développé? 
L'une des raisons pour lesquelles InFiné est si important pour moi, c'est que beaucoup d'artistes sur le label ont été influencé par ma propre musique. Pour la compilation, j'ai choisi les pistes que je sentais proche de ma propre musique en quelque sorte. La première piste [Oxia de "Exaila"] pourrait presque être une sorte d'introduction à un de mes propres albums, c'est un petit morceau et je pense que cela ouvre bien la compilation. Ensuite, il y a Murcof avec "Como Quisiera decirte." J'admire le travail de cet artiste depuis un certain temps, parfois il est très proche de la nature des choses que je faisais quand j'ai étudié avec Pierre Schaeffer au studio de musique concrète à Paris, quand nous faisions des expériences avec la conception sonore de jolies manières abstraites. Murcof a une approche de la musique que j'aime beaucoup, il mêle une approche expérimentale à la saveur latine. J'ai toujours été intéressé à essayer de intégrer l'ambiance bande originale espagnole ou italienne de gens comme Pedro Almodóvar ou Fellini dans ma musique. Je trouve "Como Quisiera decirte" tout à fait envoûtant. Il a une sensation mexicaine, mais il est encore définitivement électro. J'aime ce mélange, ce sentiment hybride entre deux mondes différents.

Quels autres artistes sur la compilation vous ont-ils attirés? 
Rone est l'un d'eux. Il a un son très intéressant. Le problème avec la musique électronique est que le plus souvent, vous écoutez une piste, et c'est intéressant, mais vous ne vous sentez pas qu'il appartient à quelqu'un en particulier, ou a un style particulier, même si c'est sympa et que vous l'aimez. Dans le cas de Rone, par exemple, ou Agoria, et quelques-uns des artistes les autres sur cette compilation, ils ont défini un univers sonore qui leur est propre. C'est rare de nos jours.

Pour parler de façon plus générale, quelles autres artistes contemporains écoutez-vous? 
Je suis à l'écoute beaucoup de musique différente. J'aime beaucoup le travail de Zomby, j'ai écouté beaucoup de ses morceaux au cours des deux dernières années. Et il ya Actress-j'ai apprécié son style de musique récemment. Ensuite, il ya plus d'artistes électroniques établis en France comme Air, Vitalic, M83, Justice ou Sébastien Tellier. En fait, je viens de terminer une session d'enregistrement avec Sébastien aujourd'hui, nous travaillons sur un morceau ensemble. J'aime aussi beaucoup Fuck Buttons. La première fois que j'ai écouté leur musique j'ai pensé: "Waouh, ils ont un son spécial et unique." Je veux dire, ces gars-là construisent une sorte de mur du son en face de vous, un brouillard de l'audio, avec une sorte de beat techno perdu dans la fumée. C'est un son vaporisé. J'aime vraiment leur direction et leur EP Olympiens était très réussi.

Combien de temps passez-vous en studio chaque semaine? 
J'essaie de passer autant de temps que possible dans le studio, mais ce n'est jamais assez. Il y a toujours des choses à faire. Mon rêve est d'être comme un écrivain, et de passer quatre ou cinq heures par jour enfermé dans le studio, mais je ne peux pas vraiment faire cela, je ne sais pas pourquoi. Je suis un bourreau de travail par poussées-je vais aller en studio et j'y travaille pendant trois ou quatre jours et nuits, puis je vais arrêter, faire une pause et revenir à l'atelier d'une semaine ou deux plus tard. Donc, pour moi, c'est trois ou quatre jours de travail, puis trois ou quatre jours de congés.

J'ai lu dans une interview où vous avez dit que lorsque vous êtes dans le studio, vous vous sentez plus comme un «peintre qu'un producteur, mélangeant couleurs et lumières, et expérimentant les textures". Est-ce que vous vous sentez toujours comme ça, même si vous n'êtes plus autant dans le studio qu'avant?
Oui, plus que jamais. Je pense que c'est la beauté de la musique électronique. J'avais l'habitude de faire beaucoup de peinture quand j'étais étudiant, et j'ai même hésité entre une carrière dans la peinture ou la musique. Au fil des années, quand j'ai été confronté à des instruments électroniques, des oscillateurs et toutes ces sortes de machines étranges, il m'est apparu que le mélange des couleurs et des fréquences de mixage audio est en fait la même chose. Vous êtes un artisan, vous êtes un peintre, le mélange des couleurs et des textures. Pour moi, la musique électronique est très proche de la peinture abstraite, tout est question de textures, de formes, de couleurs et de contrastes. Ces jours-ci, j'aime mélanger des synthétiseurs analogiques purs avec des éléments numériques. Je pense que cette combinaison est en fait le reflet de la société elle-même, parce que nous ne sommes pas plus analogique, mais nous avons aussi du mal à faire face au fait d'être dans un monde virtuel, numérique. Je pense que c'est plutôt sympa quand on peut mélanger les deux mondes.

Comment est votre studio set-up a-t-il changé au fil des ans? 
Au fil des années, j'ai recueilli beaucoup de synthétiseurs différents. Beaucoup de ces synthétiseurs sont analogiques ont un son unique pour moi, comme le Moog modulaire, Minimoog, le MemoryMoog et les grands modulaires, comme le 2500 ARP et ARP 2600, le VCS3 et l'AKS, pour ne parler que des premiers vieux synthétiseurs analogiques. A un moment donné dans le temps, les gens étaient des artisans et avait un savoir-faire et des compétences qu'il fallait acquérir. Cela était vrai pour les instruments acoustiques, et c'est aussi vrai pour les instruments électroniques, il y a certaines choses que vous ne pouvez pas répliquer. Même le Moog, ou une guitare électrique Fender, pourrait être reproduit aujourd'hui, mais il ne peut pas correspondre à l'appareil d'origine. Le nouveau Moog Voyager et toutes ces sortes d'instruments sont intéressants, mais ils sont apprivoisés dans un sens. Ils ont beaucoup de qualités, mais ils ne peuvent pas se mesurer au Minimoog original, qui a une sorte de texture sonore et une feeling particulier. Le pitch n'est pas régulier, vous avez beaucoup de problèmes... Cela crée des accidents, et les accidents sont toujours excitants dans la musique.

Lorsque vous avez commencé, l'idée de faire de la musique électronique était très aventureuse et expérimentale en elle-même, maintenant, il semble que beaucoup de gens qui font de la musique électronique regardent en arrière plutôt que vers l'avant. Avez-vous ce même sentiment? 
Je pense que cela pourrait être une très bonne description de notre société en ce moment, pas seulement la musique électronique. Nous sommes encore au début du 21e siècle pour des tas de raisons différentes, je pense que nous avons un peu peur de l'avenir, nous avons le regard dans le rétroviseur. Cela est en partie dû au fait que pendant longtemps nous cherchions en l'an 2000 une sorte de "dernière frontière". Les gens des années 60, 70 et 80, dans les cinémas, dans la littérature, de la musique, partout, ils avaient une vision de l'avenir, et ils ont pensé qu'après 2000, tout allait changer, vous savez, que les voitures voleraient et nous irions tous sur la lune pour les vacances! Puis, l'année 2000 est passé, et rien de spécial s'est passé, donc en un sens, nous avons perdu notre vision de l'avenir.

Maintenant, je pense que nous devons recréer une sorte de rêve pour l'avenir. En ce sens, la musique électronique peut vous aider. Mais aujourd'hui cet état de la musique électronique est un signe des temps: les gens regardent en arrière et en ayant cette approche vintage au jour le jour dans la vie. Cela dit, je pense que techniquement, tous les instruments numériques, tels que la Animoog sur iPad, vont vraiment apporter quelque chose de nouveau. Depuis un certain temps, la qualité de l'ère numérique n'était pas là, il était encore assez rugueux. Il y avait ce monde lo-fi, non seulement pour le son, mais aussi pour des effets visuels. Il a seulement été au cours des trois ou quatre dernières années que nous sommes ré-entrer dans le monde du son haute définition, et que ça va changer beaucoup de choses en termes de genre de musique que nous produisons dans les années à venir.

Quel impact pensez-vous que ce royaume HD de la musique aura, en particulier? 
Les gens vont cesser d'être obsédé par l'idée de la qualité ultime, et aussi cesser d'être obsédé, comme un paradoxe, de la dégradation de cette qualité ultime. Il y aura une approche beaucoup plus intuitive par rapport au son, comme nous l'avons avec une guitare électrique ou avec un synthétiseur analogique. Lorsque vous travaillez sur un Moog ou avec une guitare électrique, à travers un ampli par exemple, vous ne pensez même pas à l'aspect technique du son, c'est plus sur l'aspect musical. Je pense que l'industrie dans son ensemble est touchée, beaucoup de producteurs sont obsédés par essayer de progresser en termes de qualité sonore, et sont plus susceptibles d'être piégés par le gadget de la semaine, plutôt que de chercher à maîtriser un instrument.

Je pense que la prochaine étape ne va pas être d'aller en arrière, mais de restaurer l'idée que lorsque vous avez vraiment envie de jouer du piano, du violon ou de la guitare correctement, il faut un certain laps de temps. La technologie a fait que beaucoup de gens pensent que vous pouvez faire un morceau décent avec les instruments que vous avez appris la semaine précédente, ce qui n'est évidemment pas vrai. Depuis un certain temps, vous avez beaucoup de musique qui n'était pas si mal, mais pas géniale, et non personnelle ou particulièrement unique. Et pour chaque bijou, vous avez eu un millier de morceaux décents qui n'avaient rien de spécial. Je pense que ça va changer: une nouvelle génération de musiciens émergeront sans complexe vis-à-vis de la technologie, et ils seront plus en phase avec l'ère du numérique.

En parlant de la prochaine génération, j'ai lu récemment un article qui dit que vous pourriez être à l'origine d'une académie de musique électronique à Londres. Pouvez-vous m'en dire plus à ce sujet? 
Il s'agit d'un projet que j'ai proposé et qui concerne le développement de Tech City dans l'Est de Londres, qui fait partie de cette nouvelle plate-forme numérique et multimédia qu'ils veulent se développer dans la région. L'idée serait d'avoir une école qui a donné l'occasion aux gens d'aborder la musique électronique depuis différentes directions. Vous pouvez utiliser un équipement analogique avec des magnétophones, comme l'approche adoptée dans les années 50, les instruments analogiques utilisés dans les années 70 et 80, par le biais d'une approche numérique total. J'espère que ce sera la meilleure façon de se préparer pour demain, avec une approche de la musique dématérialisée. L'autre objectif [de l'Académie] est d'avoir des compositeurs de musique électronique établis qui viennent partager leur expérience, et créer un environnement favorable et où ils puissent se servir de ce savoir dans les écoles anglaises, en utilisant les outils de l'académie. La troisième chose serait d'avoir un élément en ligne à l'académie, ce qui permettrait aux gens de travailler ensemble sur le même morceau de musique à distance. Imaginons que vous avez un démo, et les gens peuvent y ajouter en ligne, ils peuvent collaborer et participer à une œuvre collective.

Et où en sont les projets pour l'académie? 
C'est en discussion avec les responsables du développement de Tech City. J'ai récemment parlé avec eux du concept de l'académie et ils semblaient excités. C'est une idée qui est dans l'air pendant un bon moment. Il y a plus de vingt ans, j'ai fait un concert en plein air dans le quartier des docks à East London. Cela a été le premier grand événement culturel à se produire dans cette partie de Londres, une zone qui avait connu des moments difficiles. Après le concert, j'ai discuté de l'idée de créer une académie de musique dans la région. Donc, c'est une idée que j'ai eue, et à laquelle nous avons pensé pendant un bon moment maintenant. Évidemment, cette école ou académie devrait également impliquer la communauté locale. C'est ce qui rend de tels projets vivables, ils ont besoin d'être à la fois locaux et internationaux, et de créer des liens avec la communauté locale. C'est très important pour moi.

Sur quoi d'autres travaillez-vous en ce moment? Avez-vous en projet un autre album?
Je travaille actuellement sur deux projets d'albums différents. L'un est un album solo, qui est quelque chose de très spécial qui mettra en vedette un peu de guitare, tandis que l'autre a plus de collaborations. Je suis vraiment au milieu de tout cela, c'est tout tout à fait passionnant et j'espère que ce sera fini d'ici la fin de l'été, et publié d'ici la fin de l'année.
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28 février 2013 4 28 /02 /février /2013 23:59

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:: Article rédigé par Jeanbatman :: Pour qualifier un artiste, l’expression « la tête dans les étoiles » est particulièrement adéquate. Dans le cas du musicien Jean Michel Jarre, elle l’est à plusieurs titres. Non seulement son esprit créatif semble parfois l’entrainer dans des univers parallèles (ce qui n’exclue pas quelques trous noirs), mais en plus sa musique est, pour des raisons récurrentes, en lien avec le monde de l’astronomie. Les rendez-vous multiples avec l’espace qu’a pris la carrière du musicien, que ce soit par les intitulés de ces morceaux, de ses concerts ou des illustrations de ses spectacles aux quatre coins de la planète, en sont autant de preuves. Nous allons essayer ensemble de reprendre le fil de toutes ces rencontres, ainsi que des projets avortés.

 

En parlant d’Oxygène, Jean Michel Jarre considère que c’est une musique plus en lien avec la biosphère que la stratosphère. N’en reste pas moins que pour un album séminal de tout le reste de sa carrière, le choix de la planète bleue va imprégner durablement son image d’explorateur du dessous des choses  et peut-être de quelques secrets de l’univers, qu’en tant que créateur, il cherche quelque part lui aussi.

 

Quand la NASA contacte Jean Michel pour fêter de manière grandiose les 25 ans de l’organisme américain, Jean Michel se souvient sans doute qu’il était derrière son poste de radio en guettant la diffusion des premiers pas de l’homme sur la lune.

Le souhait du lyonnais est de célébrer en chœur musique, science et technique, avec les technologies les plus avancées. Ainsi, la foi en la science et les aspects les plus avant-gardistes de la musique forment un tout harmonieux.

 

C’est ainsi qu’il décide l’astronaute Ron Mc Nair, qui est saxophoniste amateur, de jouer de son instrument depuis l’espace pensant le concert, ce qui sera le premier solo de saxophone en apesanteur de l’histoire. Malheureusement, avec l’explosion au décollage de la navette Challenger le 28 janvier 1986 et la mort de ses 7 occupants, cette belle histoire ne verra jamais le jour. Le morceau Dernier rendez-vous deviendra « Ron’s piece » en hommage à l’astronaute disparu.

 

En 2008, à l’occasion de l’année internationale de l’astronomie, Jean Michel prononce un long discours dans l’enceinte de l’UNESCO qui témoigne de sa passion pour le sujet. Le musicien déplore notamment que les jeunes générations soient désintéressées de la science du cosmos et plus généralement de la science astrophysique.

 

Le livre d’Arthur C. Clarke qui deviendra le long-métrage « 2001, l’odyssée de l’espace » de Stanley Kubrick est un de ses films cultes. Il explique que l’on trouvait dans ce type d’œuvre une vision dynamique et jubilatoire de l’avenir, qui n’existe plus aujourd’hui, tant les menaces qui pèsent sur l’espèce humaine les lui ont progressivement cachées. Les progrès de la science ont été en quelques sorte recouverts par les peurs de l’avenir : Changement climatique, permanence d’un certains nombre d’occultismes et de catastrophismes…

 

Les concerts de Jean Michel Jarre ont été à de nombreuses reprises l’occasion de rappeler la fascination de celui-ci pour la conquête spatiale. L’exemple le plus singulier est sans doute le concert géant de Moscou en 1997. Au cours de cette célébration des 850 ans de la capitale de la Russie, Jarre fait profiter à une foule immense (3 millions de personnes) une liaison audiovisuelle avec les deux occupants de la Station Mir. Ils expliquent que la musique de Jean Michel est un peu la leur, c'est-à-dire – en anglais dans le texte – la « space music ».

 

Quelques années plus tard, Jean Michel mettra en lumière le héros originel de la conquête spatiale, Yuri Gagarine, sur son album Métamorphoses de 2000. Cette chanson exalte les sentiments particuliers que procurent l’état d’apesanteur. Dans lerefrain, on entend : « I can fly like a Sputnik ».

 

Mais ce n’est que lors du concert du 1er janvier 2001 que Jarre théorise réellement sa vision, formulée par son ami Arthur C. Clarke, de la course dans l’espace, la découverte d’intelligence hors du système solaire, etc.

Sur un écran géant, Arthur C. Clarke, philosophe face caméra à la faveur d’interludes entre deux morceaux aux titres évocateurs, comme « The Voyage », « Children of space », « Rendez-vous in Space » et « race in space »

 

Sciences

En dédicace de l’album Chonologie (1993), Jean Michel remercie l’astrophysicien américain Stephen Hawking pour sa « Brève histoire du temps », best-seller mondial qui s’emploie à vulgariser certaines théories de l’astrophysique contemporaine, comme la courbure de l’espace temps par exemple.

C’est la première fois que Jarre cite de manière si explicite un livre dans ses remerciements, lui qui ne se cache pas d’être un grand amateur de livres, en plus de l’art en général.

Chronologie est riche de signe des temps : le bourdonnements d’abeilles de la partie 7 (avec Patrick Rondat) est plus qu’un effet, la mise en scène d’une supra-intelligence sous la forme d’une colonie d’insecte qui interroge non seulement l’organisation humaine, mais aussi son devenir. Einstein n’a-t’il pas prophétisé : « Le jour où la dernière abeille aura disparu, l’humanité n’aura que quinze jours à vivre. » ?

 

En 1991, Jean Michel est incité par le gouvernement mexicain pour créer un concert spécial afind e célébrer une éclipse totale de soleil. Malheureusement, ce concert ne verra pas le jour pour des raisons financières, comme c’est souvent le cas.

 

En 2009, un projet de concert au pied du plus grand télescope d’Europe, dans les iles Canaries, est malencontreusement annulé (nous sommes en pleine tempête finacière). Jean Michel devait y faire partager au plus grand nombre les fantastiques avancées de l’étude des galaxies avec l’équipement le plus perfectionné du monde, à savoir le VLT (Very large telescope). Avec son ami guitariste Brian May, qui est docteur en astrophysique, ce projet lui tenait pourtant beaucoup à cœur. Ce n’est que partie remise…

 

Jean Michel prête un peu de son temps et un peu de ses musiques (Ethnicolor, oxygène, Equinoxepour promouvoir le travail de l’Observatoire de Paris, dans le cadre de la Nuit Blanche.

 

La communauté scientifique n’est pas indifférente à l’univers de Jean Michel jarre,puisqu’un objet céleste est baptisé en hommage à ce dernier (ainsi qu’à son père Maurice Jarre). Jean Michel confiera d’ailleurs en 2010 sur l’onde de Radio Nostalgie que cet objet céleste, dont il a vu quelques photos, qu’il regrette que ce caillou (objet 4422) soit moins beau que celui du rockeur Frank Zappa.

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31 janvier 2013 4 31 /01 /janvier /2013 23:59

NAMM 2013 

Commençons par un anniversaire :  la Musical Instrument Digital Interface, connue sous son acronyme de MIDI, fête cette année ses 30 ans... Une petite interface DIN à cinq petites broches toute simple, mais qui aura révolutionné le monde de lutherie et de la musique dite "électronique" (au sens très large du terme). Rappelons qu'elle fut imaginée et mise au point par Dave Smith (papa aussi du légendaire Prophet 5, excusez du peu) dans un soucis d'harmonisation des communications entre les machines, et que la première démonstration fut faite au NAMM 1983 avec les deux premières machines équipées de base en MIDI, à savoir le Prophet 600 de Sequential Circuits et le JX3P de Roland...


30 ans ont passé donc, la norme MIDI est toujours là, indétronable... tout comme son génial géniteur ! Dave Smith a profité de ce NAMM 2013 pour présenter le nouveau synthé de sa firme Dave Smith Instruments, le Prophet 12, un magnifique clavier polyphonique... 12 voix avec, par voix, 4 oscillateurs (oui, 4 !!!) + 1 sub oscillateurs (le sub oscillateur est la grande tendance du moment, il semble...), filtre passe haut/ passe bas, délai intégré, de la modulation dans tous les sens et arpégiateur. Les plus de la bête : quatre traitements (appelés drive, hack, décimation, girth et air) qui viennent s'intercaler entre les oscillos et le filtre, et une paire de mini "ribbon controller" sensibles à la pression, destinés à contrôler en tant réel les paramètres que vous voulez,  et placés astucieusement au dessus des roues bender et modulation. Bref, un très, très bel instrument tant sur le papier qu'à l'écoute des premières démos qui circulent. Disponible un peu plus tard dans l'année pour 2999 de nos Euros - c'est cher, mais franchement, vu le niveau de qualité, de finition et les possibilités de l'engin, ça les vaut. Et c'est presque le prix d'un Minimoog Voyager qui est, lui, monophonique.


Moog, justement (habile transition, n'est ce pas ?), lance le Sub Phatty, une petite machine forcément 100 % analogique, avec 2 oscillateurs, 1 sub oscillateur (la tendance...) qui donne son nom à la bête,  le fameux filtre Moog avec multidrive, entrée/ sortie audio, Midi, USB, entrées CV/GATE, 31 boutons rotatifs pour contrôler le tout, 16 (seulement ?) emplacements mémoire pour stocker ses sons, et un 'chtit clavier de 25 touches, le tout pour environ 1000 Euros. Une machine quelque part entre le Little Phatty (plus grand) et le Minitaur (plus petit). Un concurrent du MiniBrute (qui a un sub-oscillateur...) des français Arturia, qui est beaucoup moins cher (et sonne très, très bien).


Arturia (je suis le roi de l’enchaînement), justement, revient avec un petit clavier maître tout mignon, le MiniLab, avec 25 mini touches, 16 encodeurs, 16 pads, USE et tout, pour 99 Euros, livré avec le fabuleux Analog Laboratory 2.0 et 5000 sons issus des autres produits Arturia (Mini V, SEM V, Prophet V, etc). Autre nouveauté, une déclinaison très sympa et pas chère de leur excellente boite à rythme / groovebox, la Spark LE qui, pour 249 Euros, propose une solution hybride hardware (le contrôleur avec les pads et les boutons, en version plus compact que sur le Spark original) et software (pour MAC/PC, autonome ou plug-in). Trois moteurs de synthèse (analogique virtuel, comme pour les synthés soft Arturia, modélisation physique et samples), 1500 sons de base, 100 kits... Encore une jolie réussite française, cocorico, enfilez vos marinières et à vos claviers.


Yamaha continue à décliner ses workstations avec les MX49 MX61, des déclinaisons de ses MOX6 et MOX8 de 2012, des claviers combinant synthé et interface audio, offrant une solution d'intégration parfaite en configuration MAO, d'autant plus que les machines sont vendues avec une version AI du Cubase de Steinberg (firme, qui, rappelons le appartient à Yamaha, on n'est jamais aussi bien servi que par soit même). Sinon, rien de bien neuf hormis une application appelée "Mobile Music Sequencer", un séquenceur avec générateur de son pour les iTrucs de la pomme croquée.


Pas de grosses annonces chez Roland, juste quelques évolutions de produits : de nouvelles interfaces Audio Capture, clavier arrangeur BK3, piano numériques HPi-50 et RD64. La seule réelle nouveauté, c'est le V-Combo VR-09 qui combine une section piano (dont un piano multiéchantillonné), une section orgue, et une section synthé, modélisés à la sauce SuperNatural de Roland (comme l'ndique le "V", pour "Virtual", qui qualifie toute le gamme des machines à modalisation, que ce soit les V-Drum, les V-Piano, les V-Amplis, les V-Guitar ou les V-Accordion), 7 effets simultanés, un enregistreur de boucles intégré (avec importation / exportation au format Wav), un clavier 61 notes, quelques boutons, des "drawbars" (tirettes in french) pour la partie orgue (comme sur les Hammond) et un éditeur gratuit pour iMachins de la firme à Steve Jobs.


Akaï lance notamment le MPX8, un petit instrument tout simple, composé de 8 pads qui permettent de déclencher des échantillons importés depuis une carte SD insérée dans le lecteur prévu à cet effet à l'arrière. L'engin, dont ni le prix ni la disponibilité n'étaient annoncés, est livré avec une bibliothèque de samples et un éditeur PC/MAC qui permet  de convertir des échantillons au format Akaï et de les mettre dans le MPX8 - qui dispose d'une interface MIDI et d'une USB. Si c'est vendu à très petit prix, ça peut être une bonne affaire.


Grosse actualité chez Korg durant ce NAMM. Tout d'abord, le KingKorg (bravo pour le nom !) a été dévoilé : un joli synthé basé sur la modélisation analogique (comme le MicroKorg et autres), avec une interface utilisateur hyper simple et dépouillée. 3 oscillos, un filtre plusieurs modes, vocoder, arpégiateur, 24 voix de polyphonie, 61 notes, 300 mémoires, bref, un jolie petite machine qui a des chances de bien se vendre si elle n'est pas chère. 

Autre nouveauté Korg, le WaveDrum Global Edition, une version orienté "percussions ethniques" du fameux et excellent pad de Korg, toujours basé non pas sur des samples, mais sur la modélisation physique ; 60 "modèles" (djembé, congas, tablas, udu, cajon, cloches, timbales...) sont ainsi proposés et jouables sur la surface du WaveDrum, véritable prouesse technologique... quiconque a déjà essayé a surement été bluffé par le rendu de la surface, très proche des peaux originales des tambours. 

Mais THE grosse annonce chez Korg, c'est, pour les 50 ans de la marque, la réédition d'un des synthés les plus emblématiques de la marque, peut être même le plus emblématique : le MS20, qui revient, conçu par les ingénieurs de l'époque, avec les mêmes composants analogiques que la version d'origine, le même système de patch, mais avec (modernitude oblige), une entrée MIDI et une interface USB. Autre différence, le clavier est un deux octaves à petites touches (comme sur le premier MicroKorg), ce qui fait que cette nouvelle version du MS20, appelée MS 20 Mini, a des proportions réduites de 14 %. A suivre de très prêt pour entendre si la bête sonne comme l'original... et à quel prix (dans les 600 Euros d'après les premières rumeurs).


Autre vieillerie qui ressort du passé, le Stylophone de Dubreq, ce petit synthé analogique "lo-fi" contrôlé par un clavier plat (3 octaves, jouable au doigt ou avec le stylet vendu avec), revient en version S2, plus moderne, avec 2 oscillateurs doublés de sub-oscillateurs (je ne voudrais pas donner l'impression de radoter mais...), filtre 12dB/octave, un LFO a 8 formes d'ondes, entrée audio... un petit synthé de poche, assez simpliste mais très "fun" et qui, sur les quelques démos qui circulent, sonne très bien. Le tout pour la petite bagatelle de 350 Euros environ.


Côté modulaires, la firme Pittsburgh Modular Synthesizer (située à... Pittsburgh) lance de beaux instruments : les systèmes Cell[48] et Cell[90]. Le système Cell[48]  se compose de trois systèmes (appelés judicieusement System 1System 2 et System 3), utilisables indépendamment, chacun avec des fonctions différentes : le System 1 ($ 600) est un véritable synthé indépendant (et pas très cher, pour le coup), le System 2 ($ 700) est un processeur d'effets, et le System 3 ($ 800) est un synthé plus élaboré capable de générer des sons complexes. Ils sont aussi combinales en un seul système, le Complete System, pour $ 2100. Le Cell[90] se présente  quant à lui sous la forme de deux instruments au format "desktop", eux aussi utilisables indépendamment ou combinés : le Foundation Desktop ($ 1700) , un synthé complet, et le Foundation Desktop Expander ($ 1400) qui, comme son nom l'indique, accroit les possibilités du modèle de base. Le système complet, Foundation Desktop Complete, est proposé à $ 3100. de beaux instruments, avec panel en acier brossé, flancs en bois, de des gros potards et un look qui rappelle un peu les modulaires Buchla.

 

En parlant de Buchla (encore une habile transition), et toujours côté vieillerie, mais du genre très, très rare, la firme américaine de Don Buchla (pour rappel, l'un des pionniers de la lutherie électronique, grand ami de feu Robert Moog) ressort le Music Easel. L'original,  qui date de 1973, était un synthé compact, entièrement modulaire, au format valise, avec un clavier plat sensitif et système de sauvegarde des paramètres sur des cartes mémoires, et le tout meilleur de la technologie Buchla. La version 2013 n'est ni plus ni moins qu'une réédition à l'identique de ce modèle mythique. Pas de date de sortie ni de prix, mais ça risque de coûter un bras. Et il n'est même pas sur qu'il y ait un sub-oscillateur. Je sais, je suis taquin...


Chaque NAMM a sa curiosité ; cette année (mais je crois que ça a déjà été présenté précédemment), c'est l'Alpha Sphere de Nu Desine, un contrôleur (donc un instrument sans son inclus dedans) qui se présente sous la forme d'une sphère parsemée de 48 pads ronds, sensibles à la pression, de trois tailles différentes, et qui permettent de déclencher ... un peu tout ce qu'on veut via MIDI. Etonnant, original et surement très ludique...

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31 décembre 2012 1 31 /12 /décembre /2012 14:14

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(Ci-dessus) La filmographie de Jean-Michel Jarre

:: Article rédigé par Jérôme :: Jean-Michel Jarre, fils de Maurice Jarre, illustre compositeur de musique de films Hollywoodiens aux trois Oscar ("Lawrence d'Arabie", "Docteur Jivago", "La route des Indes"), a, de son propre aveu, peu œuvré dans ce domaine, qui est pourtant la voix royale du succès pour de nombreux créateurs de musique instrumentale actuels.
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(Ci-dessus) Jean-Michel et Maurice Jarre en 2006


Pourtant, au-delà de ses histoires d'amour avec de célèbres actrices, Charlotte Rampling (qu’il accompagnera régulièrement au festival de Cannes), Isabelle Adjani, Anne Parillaud, Jean-Michel Jarre est un passionné du 7ème art dont il se dit souvent plus inspiré que par d'autres formes d'expression artistiques :

"Mes influences les plus grandes viendraient plutôt du cinéma que de la musique. C'est-à-dire qu’on est de la génération de l’image, du visuel, de l’audio-visuel (…). Aujourd’hui les plus grands auteurs sont peut être Spielberg, Fellini, Kubrick, Visconti. Et ces réalisateurs m’ont vraiment marqué sur le plan émotionnel et m’ont réellement influencé." (Synthesis 2 05/1982)

Ainsi, parmi ses références favorites, Jarre cite régulièrement Stanley Kubrick

En 1968, j’étais très marqué par Kubrick et "2001". Puis je l’ai rencontré à Hambourg, parce qu’au moment de The Shining, il n’utilisait que de la musique enregistrée. Et il a pensé un moment à utiliser ma musique pour le film, avant de choisir finalement le côté grinçant, plus effrayant de Penderecki. (Playboy 86 01/2008).

…ainsi que Fellini dont il est d'ailleurs invité à commenter le film "Prova d'orchestra" lors d'une chronique d'Henri Chapier au festival de Cannes en 1979 (voir la vidéo ci-dessous).

J’ai rencontré Fellini sur la fin de sa vie, il m’a dit : "Toute ma vie, j’ai cru que je faisais un film différent. Et je m’aperçois à la fin de ma vie que j’ai toujours fait le même film. Finalement, j’ai toujours essayé d’améliorer les choses". C’est absolument vrai. Cette exigence permet de préserver l’innocence intacte. (Le journal du dimanche 17/03/2010)

Musique et cinéma… Cinéma et musique… Voyons comment ces deux mondes s'entremêlent dans la carrière du fameux compositeur.



Premiers pas par la petite porte du cinéma

Musique et cinéma… C'est en joignant les deux que Jarre fait l'une de ces premières prestations en 1967 lors d'une séquence du film "Les garçons et les filles" d'Etienne Perrier, avec Nicole Garcia. Le musicien y joue de la guitare et y chante deux titres avec son groupe d'alors : les Dustbins. Même si un 45T de la musique du film sortira bien, le groupe n’y figure pas.

A partir des années 60, l’éditeur Francis Dreyfus se spécialise, avec un certain succès, dans les musiques de film. C’est sans aucun doute lui qui, début 1973, "branche" son poulain Jean-Michel Jarre sur le projet de BO du film "Les Granges brûlées", dont la prestigieuse affiche réunit Alain Delon et Simone Signoret. Le film réalisé par Jean Chapot sort en France le 30 mai 1973. La musique, entièrement composée par Jarre, fait l'objet d'un album (qui est donc, après "Deserted Palace", le second du musicien) ainsi que d'un 45T.

C’est un polar rural, donc qui très très éloigné de l’ambiance sonore [de ma musique]. Le réalisateur, qui s’appelait Jean Chapot, je dirai, d’une certaine manière, a eu le courage d’utiliser mon travail, pour une musique, qui est complètement différente, mais qui, finalement, je crois, collait assez bien au film. (Red Bull Academy Session, 16/05/2012).

A cette occasion, Jarre fils est invité à l’émission Loisirs Spectacles sur l’ORTF. L’animatrice France Roche ne peut s’empêcher d’évoquer Maurice Jarre, ce à quoi Jean-Michel rétorque poliment, mais sans arriver à cacher son agacement, qu’il n’a pu avoir une réelle influence.

Lors de sa collaboration avec les chanteurs Christophe et Patrick Juvet, entre 1973 et 1977, Jean-Michel Jarre puise dans ses références cinématographiques pour écrire ses textes : on peut citer "la Dolce Vita", "Séñorita", "Le fantôme d'Hollywood", etc.

Brando voudrait bien retenir, Un tramway nommé désir. Hollywood, Hollywood ne veut pas mourir. Marylin aurait cinquante ans, James Dean n'est plus un géant. Rien n'est plus rien n'est plus vraiment comme avant (Señorita, 1974)



Les emprunts à Oxygène et Equinoxe

Après le succès mondial des albums "Oxygène" (1976) et d’"Equinoxe" (1978), le musicien est approché par les cinéastes pour composer de nouveau des musiques de film. Il ne proposera pourtant presque jamais de musique originale mais acceptera des emprunts d’œuvres existantes. C’est ainsi que Peter Fleischmann ("Scènes de chasse en Bavière"), l'un des représentants majeurs du Nouveau Cinéma allemand des années 1960-70, et ancien assistant de Jean Chapot cité plus haut, illustre son film "La maladie de Hambourg" (Die Hamburger Krankheit) avec de nombreux extraits de ces deux albums. Le film, co-écrit avec Roland Topor et sorti en 1979, se veut une critique de l’état policier au travers d’un scénario de science-fiction qui raconte la gestion autoritaire et brutale d’une épidémie soudaine et incontrôlable.

Quelques mois plus tard, le cinéaste suédois Ray Pollak suit la même recette musicale pour un film montrant les difficultés du passage à l’adolescence : "Barnens ö" (du nom du camp d’été où le personnage principal est censé passer ses vacances). On y retrouve en effet la plupart des mêmes extraits d’"Oxygène" et d’"Equinoxe" dont la première partie de ce 2ème album sert encore une fois de générique de début ! A noter que le 45T « Equinoxe » (part 5) qui sortira en Suède porte un sticker du film qui l’emprunte pour son générique de fin.

En 1981, c’est au tour du fameux Peter Weir ("L'année de tous les dangers", "The Truman Show") d’utiliser des extraits des parties 1 et 2 d’"Oxygène" pour son film "Gallipoli". C'est un lieu stratégique du détroit des Dardanelles pour le contrôle duquel les soldats Autraliens se sont opposé férocement à l’armée turque pendant la Première Guerre Mondiale. Ce film marque les débuts de Mel Gibson, peu après "Mad Max". Une édition spéciale du 45T "Oxygène 2" est publiée en Australie à l’occasion de la sortie du film. A noter aussi que Jarre père signera plus tard les musiques de plusieurs films importants de Peter Weir dont "Witness" et surtout "Le cercle des poètes disparus".


45 tours cinema
(Ci-dessus) Les 45T de musiques de films de Jean-Michel Jarre


J'ai refusé "Midnight Express" et "American Gigolo"

Après ces quelques projets qui ne rencontreront pas le public, Jarre tient un discours auquel il restera fidèle des années :

"Sergio Leone et Fellini ont toujours travaillé en étroite collaboration respectivement avec Ennio Morricone et Nino Rota (…). Depuis dix ans, à mon sens, il n’y a pratiquement plus de thèmes qui méritent de passer à la postérité. Pour certains, ce genre de composition constitue même une simple illustration sonore. Pourtant si un metteur en scène consacre cinq années de sa vie à un long métrage, il devrait en être de même pour l’auteur de la bande originale !" (Le Parisien libéré 07/1983)

"[La musique de film,] c’est un domaine où, dans la famille, on a déjà donné, d’une. De deux, c’est très frustrant. J’en ai fait quelques-unes mais qui n’ont pas eu de succès : le premier film de Peter William (ndlr : En fait il s’agit de Peter Weir), (…) « La maladie de Hambourg » avec Peter Fleischmann. Seulement, dans ce genre de boulot, tu peux travailler un an dessus et retrouver ta musique mixée avec des bruits de bagnoles et de rues. J’aime pas. On me propose plein de trucs, oui, mais je les refuse." (Rock and folk 04/1985).

En effet, il va refuser de travailler sur plusieurs films, dont certains sont devenus culte aujourd’hui :

Alan Parker m’avait contacté pour "Midnight Express". Et Paul Schrader est venu me voir avec "American Gigolo". On était dans le midi avec ma femme, Charlotte Rampling. On le voit débarquer avec les bandes, il était totalement jeté, abruti par la fatigue. Il venait de finir un montage pénible. Il nous projette donc le truc. Et il s’est endormi devant son propre film ! Moi je ne comprenais pas, le film était tout noir. Il y avait un problème au niveau de la copie. Ensuite, il est revenu à la charge pour que je fasse la BO de "Cat people" mais, là aussi, j’ai dû décliner. (Technikart 138 12/2009).

Il est amusant de noter que les BO de ces trois mêmes films seront finalement commandées à Giorgio Moroder, qui obtiendra d’ailleurs l’Oscar pour "Midnight Express". Jarre aurait-il fait mieux ? Différemment, sans doute…

(Ci-dessus) 3 BO refusées par Jean-Michel Jarre… mais acceptées par Moroder



En 1986, deux titres de Jarre seront pourtant utilisés dans la BO de deux films hollywoodiens. Ce sera d’abord le fameux "9 semaines ½" d’Adrian Lyne ("Flashdance") avec Mickey Rourke et Kim Basinger. "Arpégiateur" y rythme une des scènes les plus torrides du film sur un escalier d’eau ruisselante... Dans "Dangereuse sous tous rapports" ("Something wild") de Johnathan Demme ("Le silence des agneaux") c’est "Ethnicolor" qui illustre l’une des scènes clé de la fin du film. Pourtant, les disques de la BO officielle de ces films n’inclueront pas les titres de JMJ.

Le 16.02.1990, le film Bollywoodien "Agneepath", remake indien de "Scarface", réalisé par Mukul S. Anand, emprunte à Jean-Michel Jarre "Ethnicolor", "Second Rendez-vous" et "Troisième Rendez-vous" dans la bande son.

En 1991, Jarre poursuit son partenariat avec Jacques-Yves Cousteau, un an après l’album ("En attendant Cousteau") et le concert (Paris La Défense) qu’il lui a dédiés, en acceptant de réaliser la musique d’un de ses documentaires : "Palawan, le dernier refuge", tourné aux Philippines, dans le cadre de sa série "Cousteau à la redécouverte du monde". Encore une fois, Jarre puise essentiellement dans ses tiroirs, avec des extraits d’"Equinoxe", "Zoolook", "Révolutions", entre autres, mais crée aussi, pour le générique, une composition originale, encore aujourd’hui inédite, mais dont un extrait de 1’30 était rendu disponible par le compositeur sur le site www.jarre.net en 2001.


Projets de film

Suite à l'aventure des concerts en Chine en 1981, Jarre confie la réalisation d'un film-documentaire à l'Irlandais Andrew Piddington. Deux projets sont alors en lice : en faire un video-disque et/ou le diffuser dans les salles.

Ce qui m’intéresse ce n’est pas d’en faire qu’un album, mais d’en faire une expérience multi-média, c'est-à-dire essayer différents moyens de toucher le public. C’est pour cela qu’on va faire une version dolby-stéréo pour les salles, et je souhaite qu’elle puisse être correctement distribuée. (Synthésis 2 05/1982)

Même si aucune des deux idées n'aboutira, Jarre persévère dans sa tentative d'incursion dans le monde du 7ème art en acquérant, avec Charlotte Rampling, les droits d’un roman policier américain en 1983. Leur projet : monter un film.

II ne s’agit pas pour moi de devenir producteur, précise-t-il, mais de réunir ceux qui désireront travailler avec nous. Charlotte se réserve bien entendu le rôle principal et nous n’avons pas encore choisi ni le réalisateur ni le dialoguiste. Enfin, si les thèmes mélodiques auront une grande importance, il ne s’agira pas d’une comédie musicale ! (Le Parisien libéré 07/1983)




Un regain d'intérêt tardif pour la BO

Comment Jarre, et son physique de jeune premier, n’a-t-il pas joué dans des films ? La vérité vient sans doute de Charlotte Rampling qui répond par la négative à la question concernant le talent d’acteur de son mari d’alors (Rock and folk, 01.1981) ! Reste que 25 ans après "Des garçons et des filles", Jarre reprend son propre rôle de musicien devant la caméra du belge Benoit Peeters pour les besoins du film "Le dernier plan" (2001) qui raconte l’enquête d’un jeune réalisateur roumain à propos d’un célèbre écrivain dissident réfugié en France qui entama la réalisation d’un film avant de disparaître sans laisser de traces.
JMJ au cinema



"Qui veut devenir une star" est le premier film du français Patrice Pooyard, réalisé en 2002 : un programme de télé réalité montre 8 candidats suicidaires, au sens propre du terme, qui cohabitent dans un lieu clos, épiés 24h/24 par des caméras présentes (vraiment !) partout ; le public vote l’élimination des candidats qui se traduit par la mort des malheureux jusqu’au dernier auquel il est promis des lots fabuleux. Pour ce film, Jarre accepte de composer une musique inédite. L’une des bandes annonce, muette, est illustrée par "Equinoxe part 1". Le film ne sortira jamais en France au cinéma, mais en vidéo à la demande.

Puis, en 2006, Volker Schlöndorff fait appel à Jean-Michel Jarre pour la musique du film "L'héroïne de Gdansk" (Strajk) dont le personnage principal est inspiré d’Anna Walentynowicz, cofondatrice du syndicat polonais Solidarność. Le compositeur lui cède plusieurs extraits de son concert tenu à Gdansk l’année précédente, dont "Révolution industrielle", qui se prête particulièrement à l'ambiance des chantiers navals où se déroule le film. Notons que Maurice Jarre avait composé la musique de d’un autre célèbre film du même réalisateur, "Le Tambour", en 1979 (Palme d’or à Cannes la même année). C’est d’ailleurs Schlöndorff qui lui remettra son Ours d’Or d’honneur lors du 59e festival du film de Berlin en février 2009.



Le mot de la fin :

Jusqu'à maintenant [les musiques de films] j'en ai fait peu et j'ai raté d'ailleurs beaucoup d'opportunités finalement, parce que mon père étant un grand compositeur de musiques de film, j'ai toujours, je pense inconsciemment, considéré que c'était le territoire du père et que finalement c'était son domaine réservé. Et j'ai raté de ce fait pas mal de musiques de films. (…) J'étais un peu mal à l'aise, c'est plus du tout le cas maintenant, mais avant tout (…) c'est un problème de rencontre (…) mais je serai absolument ravi de le faire, oui. (chat L’internaute 01.2010).

Filmographie :

  • 1967 : Des garçons et des filles - Etienne Perrier (Musique & apparition)
  • 1973 : Les granges brûlées – Jean Chapot (Musique)
  • 1979 : La maladie de Hambourg (Die Hamburger Krankheit) - Peter Fleischmann (Musique)
  • 1980 : Barnens ö – Kay Pollak (Musique)
  • 1981 : Gallipoli – Peter Weir (Musique)
  • 1986 : 9 semaines et ½ (Nine ½ weeks) - Adrian Lyne (Musique)
  • 1986 : Dangereuse sous tous rapports (Something wild) - Johnathan Demme (Musique)
  • 1990 : Agneepath - Mukul S. Anand (Musique)
  • 2001 : Le dernier plan - Benoit Peeters (Apparition)
  • 2002 : Qui veut devenir une star ? – Patrice Pooyard (Musique)
  • 2006 : L'héroïne de Gdansk (Strajk) - Volker Schlöndorff (Musique)


Vidéos :

  • JMJ & Les Dustbins dans "Des garçons et des filles" : http://www.youtube.com/watch?v=IEtMf1-PUQY
  • "La chanson des Granges Brulées" : http://www.youtube.com/watch?v=oPfR619t550
  • Jarre commente "Prova d'Orchestra" de Fellini à Cannes (1979) : http://boutique.ina.fr/cannes/1978-1996/video/DVC7908096801/jean-michel-jarre-au-festival-de-cannes.fr.html
  • Oxygène part 5 (0’16-1’11),Oxygène 1 & 2 (3’45-5’21) dans "La maladie de Hambourg" : http://www.youtube.com/watch?v=BHpg-KU2t7w
  • Equinoxe part 1 dans "Barnens O" (générique début) : http://www.youtube.com/watch?v=mggpP8-IwGg
  • Oxygène part 2 (6’50 à 8’15) dans "Gallipoli" : http://www.youtube.com/watch?v=yoeEVctrlmU&feature=related
  • Arpégiateur dans "9 weeks ½": http://www.youtube.com/watch?v=JUHUfFqusPw&feature=related
  • Ethnicolor (2'30 à 3'15) & Second Rendez-vous (3'16 à 6'25) dans "Agneepath" : http://www.youtube.com/watch?v=ZrVcV21B3DM&feature=related
  • Ethnicolor dans "Something wild" : http://www.youtube.com/watch?v=EQVr8y6NHyY&feature=related
  • JMJ dans "Le dernier plan" : http://www.youtube.com/watch?v=Ja7HwudrNBc
  • La musique de JMJ dans "L’héroïne de Gdansk" : http://www.youtube.com/watch?v=3g3miBEYhQY
  • Musique inédite dans "Qui veut devenir une star ?" : http://www.youtube.com/watch?NR=1&v=oOYjCkjxK0c

 

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30 novembre 2012 5 30 /11 /novembre /2012 14:51

La jeune scène électro influencée par Jarre

Voici la liste de quelques artistes, très divers, (de l’ambient au heavy metal en passant par le classique) qui ont indiqués Jean Michel Jarre parmi leurs modèles ou plus prosaïquement, leur inspiration à un moment ou à un autre de leur carrière. Cette liste continuera à s’allonger, à mesure, que, sans aucun doute, Jean Michel continuera à susciter des vocations pour de nouvelles générations de musiciens en général et de claviéristes en particulier.
 
 
A
Frédéric Arbour créateur du label canadien Cyclic Law Records:  
Fréderic Arbour : Mon intérêt précoce pour la musique électronique vient de mon écoute, enfant, de la cassette de mon père Oxygène. J’ai passé énormément de nuits passionnantes rien qu’en écoutant cette cassette. Plus tard, les paysages sonores plus abstraits de Pink Floyd m’ont également inspiré, de même que le travail de Dead can Dance et d’autres disques qui l’ot donné envie d’explorer ce genre en tant que musiciens.
 
John Askew
Question : Quel a été votre premier contact avec la musique électronique et quel est l’album qui vous a influence le plus ? C’est une question très difficile à laquelle répondre, parce que ma mémoire est très mauvaise. Je pense que ca a été l’album Oxygène de Jean Michel jarre. Cet album sonne encore magnifiquement et il a été conçu la même année que je sois né.
 
DJ Vincent Aze (interrogé par Hong Kong [hk]clubbing.com)
Question : Quel est votre plus grande influence musicale ?
Oxygène de Jean Michel Jarre est certainement la première musique qui m’a fait fondre. Il y a aussi le Boléro de Ravel. Adolescent, j’ai traversé une phase reggae avant de revenir aux mammouths de la musique électronique. Des labels comme Get Physical, Poker Flat, Kompakt, Playhouse sont parmi les gros labels qui produisent de l’a musique sensationnelle.
 
 
 
B
Nick Bracegirdle du groupe Chicane (interview de 2007 par Trance.nu) : Question : quel est votre top 5 de vos morceaux préféré ou plus influents ?  
Nick : C’est une question impossible mais :
1-Boys of Summer, par Don Henley
2-Oxygene, par Jean Michel-Jarre
3-Chariots of Fire, par Vangelis
4-Athem, par enjoi
5-Is there anybody out there, par Bassheads.
 
Anton Brejestovski (né en 1971)
Quelles sont vos influences ?
En regardant dans le rétroviseur, je me rends compte que mes goûts musicaux ont changé de nombreuses fois. Très peu de choses – comme les Beatles – m’ont poursuivie depuis mon adolescence. Mon idole dans la prime enfance était Jean Michel Jarre, pour qui je suis tombé amoureux à l’age de 12 ans et adorait tous ses disques.
 
Allister Brimble, (compositeur anglais de musique de jeu vidéo) interviewé par Music & Sound.
Mes influences ? Beaucoup des premières musiques des années Commodore C64 : Rob Hubbarb, David Whittaker et plus tard, Tim Follin. Jean Michel Jarre a aussi été une très grande influence.
 
Martin Brinkmann (musicien ambient/expérimental) sur Beatmode.com : Question : Quels artistes ont inspiré votre style ?
Martin : Je pense qu’un grand nombre l’ont fait. Pour en nommer quelques-uns en particulier : The Orb, orbital, KLF. Et plus récemment : Pole, Vladislav Delay, et beaucoup d’autres de ce genre « cliqué/coupé ». Et j’ai toujours été un fan de Jean Michel Jarre. Je pense que c’est possible de s’en rendre compte dans mes morceaux les plus expérimentaux.
 
 
 
C
Troy Cairo alias DJ Kinky Kyro, interviewé par Denise Behrens (2008) 
Ma plus grande influence est Jean Michel Jarre. Il a commencé à la fin des années 70 avec les synthétiseurs, en donnant une direction électronique au disco.
 
Cass Cutbush du groupe Cass and Slide, interviewé par Shannon Petrick: Lunar :
Question : Quels ont été vos influences musicales en grandissant ?
Cass : Oh ! Il y en a eu beaucoup. Une des grosses influences était un producteur (sic) nommé Jean Michel Jarre. Il a été un des pionniers dans la dance music. Je me souviens qu’il avait l’habitude de ces concerts massifs… Il a été indubitablement ma porte d’entrée dans la musique électronique.
 
Claude Charnier du groupe canadien Headscan, interviewé par Shaun Hamilton de Chain D.L.K:
Claude : J’ai baigné dans la musique électronique depuis que j’ai treize ans, c’est la première fois que j’ai entendu Jean Michel Jarre parler de sa musique comme d’une peinture. C’était en 1979, l’année où j’ai été initié par un ami plus âgé aux groupes allemands comme Tangerine Dream, Klaus Schulze et Kraftwerk. C’était le coup de foudre !
 
Fernando Corona (alias Murcof) interviewé par Barcodezine (2008):
Question : En étant né au Mexique, qu’est-ce qui vous a permis de découvrir la musique électronique et développer votre intérêt pour cela ?
J’ai grandi près de la frontière à Tijuana, au Mexique, et c’était inexistant. J’étais obligé de traverser la frontière pour m’informer à propos de cette musique et acheter des disques. Je pense que l’album qui m’a vraiment introduit à la musique électronique est Oxygène de Jean Michel Jarre. À l’époque j’avais 10 ou 11 ans et un ami de mon père m’a donné le disque. Après ça, je me suis demandé quels autres musiciens faisaient des choses similaires.
Uwe Cremer (www.musicinbelgium.net):
« Pour « Elfenstaub », Cremer se tourne vers Jean-Michel Jarre et son fameux « Oxygène ». Il avait particulièrement aimé le mélange entre les sons spatiaux et le rythme de rumba. »
 
Cryo (Groupe scandinave) Interview par TekNoir à l’époque de la sortie de Cryogenic.
Question : En écoutant votre album j’ai note que l’approche oldschool EBM est très présente, en même temps que des textures très émotionnelles et des paroles magnifiques. Quelles sont vos influences en musique électronique ?
Mes trois plus grandes influences sont Jean Michel jarre, Kraftwerk et Front 242. Si je devais être coincé sur une ile déserte avec un seul disque (et bien sûr, un magnétophone), je pense que je choisirai l’album Equinoxe par Jean Michel jarre. J’ai toujours eu une faiblisse pour les bonnes lignes de basse, et la plupart de mon travail créatif commence avec cet élément vital.
 
 
 
D
Maxime Dangles (lemonsound.com):
Peux-tu nous expliquer comment tu t'es mis à écouter de la musique électronique ? Quels ont été les premiers sons que t'ont donné le déclic ?
Depuis toujours avec maman qui écoutait Jean Michel JARRE puis ensuite la DANCE des années 90 et puis vient ensuite LE FAMEUX BAR LIVE comme beaucoup de jeunes de la région je pense !
Taylor Deupree (Interview par Andrea Ferraris de Chain D.L.K.) 
Taylor Deupree: La musique électronique est véritablement née de la new wave des années 80. Les groupes que j’écoutai étaient tous plus ou moins électroniques. Quand j’ai eu 13 ans, mes parents m’ont offert “Autobahn” et j’écoutai beaucoup de Jean Michel Jarre à cette époque. J’étais aussi le produit de la première génération de jeux vidéos. Ma famille avait un des premiers ordinateurs (un TRS-80) que je pouvais programmer et je passai de nombreux week-end dans des salles de jeu d’arcades.
 
Jean-Benoit Dunckel, du groupe Air, interrogé par GQ.
Jean-Benoit : Petit, une vidéo d’Oxygène m’avait frappé par la plénitude du son et sa froideur m’avait saisie. C’est le premier musicien qui a eu du succès en réalisant des albums uniquement avec des synthés. Jarre a contribué à une nouvelle sorte d’écoute. Allongé dans son salon. À l’étranger, ses grands concerts lui donnent une image de « grand manitou spatial french seductor ». Sa musique semble déconnectée de toute culture nationale : une variété internationale humaine utopiste.
 
Andy Duguid (artiste trance progressive) par 365mag.com
Question : Andy, peux-tu nous parler de ton parcours dans la musique ? 
J’avais dix ans quand je m’amusais avec un vieux clavier. J’avais l’impression de m’y faire très facilement. À l’âge de 11 ans, j’ai acheté l’album Images de Jean Michel Jarre et à partir de là, ma passion n’a fait que grandir et grandir ! J’ai pris des leçons de piano trois fois mais je n’arrivais pas à m’y coller, alors j’ai préféré jouer à l’oreille, ce qui est quelque chose qu’aujourd’hui je ne regrette pas d’avoir fait, parce que je pense que cela m’a permis d’être plus créatif. A l’age de 14 ans je faisais mes premières compositions. Je n’ai pas arrêté depuis !
 
 
 
E
 Matt Embleton (snakestyle) : 
J’ai commencé à jouer des bongos quand j’étais très jeune. J’ai eu un pss keyboard pour un de mes anniversaires, ensuite un Yamaha sh-10, puis un Yamaha dd10 drum machine, et ensuite on m’a offert un vinyle d’Oxygène de Jean Michel Jarre quand il a été réédité en 1986. A partir de là, j’ai toujours voulu faire de la musique électronique. Le côté rythme et percussion de moi-même était inspiré de Pink Floyd et Jimi Hendrix, et le côté claviers par tout ce qui été électronique.
 
 
 
G
Joachim Garraud (interrogé par Glenn Folkvord):   
Je suis très fier d’avoir été le premier producteur extérieur à avoir travaillé pour Jean Michel Jarre. Travailler avec lui a été une de mes expériences professionnelles les meilleurs. Sur le plan humain, Jean Michel est devenu un ami. Pendant les dix mois d’enregistrement j’ai vécu dans sa maison de Croissy jour et nuit.
 
JM Glover, compositeur et artiste multimédia, interviewé en 2000 par Glenn Folkvord
JM Glover : J’admire vraiment des artistes comme Jean Michel Jarre. Je ne me sens pas influencé par lui musicalement, mais je me sens en symbiose avec sa façon de travailler et ses pensées. Je ne me considère pas comme un musicien, mais comme un artiste. Alors, selon moi, Jarre est probablement le meilleur artiste authentique d’aujourd’hui. Je pense que nous partageons la même possibilité de visualiser le concept général des choses. Erik Wøllo, interrogé par Glenn Folkvord en 2005 : J’ai toujours eu une grande sensibilité à la musique et aux rythmes. J’ai commencé à écouter plus en profondeur la musique quand j’avais 10 à 12 ans, époque à laquelle je débutais la guitare. A ce moment-là, c’était d la guitare rock, comme Led Zeppelin, Deep Purple, Pink Floyd, Yes et Focus. Et bien sûr, énormément de musique électronique. En particulier les premiers albums de Jean Michel Jarre.
 
Anthony Gonzales (M83)
Je me souviendrai toujours être âgé de sept ans et regardant cette émission de télévision qui présentait un spectacle de Jean Michel Jarre. Je dois dire, ce fut un véritable choc. Il semblait si beau. Il était entouré par les synthés et les lumières et l’air si pittoresque, comme un vaisseau spatial. Ce fut la première fois que j’ai réalisé que la musique pouvait être si puissante et depuis lors, j’ai eu cet amour pour les synthétiseurs et la musique électronique.
Tolga Gurpinar (interview de 2000 avec le musicien et producteur Tolga Gurpinar, par Glenn Folkvord)
J’aime Jarre et Björk (…) Jarre parce que sa musique est si expressive. (…) J’ai composé la pièce de musique “The lonely Seagull of the Deserted City” comme un clin d’œil à l’album Oxygène de Jarre.
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